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Fallece El Italiano
Salvatore Cutugno nació Toscana, Italia el 7 de julio de 1943, y falleció en Lombardía, el 22 de agosto de 2023 debido al cáncer de próstata, más conocido como Toto Cutugno, fue un cantautor italiano.
Debutó en el Festival de San Remo de 1976, con el grupo Albatros, interpretando la canción «Volo AZ504», que se clasificó tercera. Al año siguiente, se presentó de nuevo en el Festival con «Gran Premio». Su debut como solista fue en 1980, cuando venció en el Festival de San Remo con «Solo Noi». Ese mismo año participó en el Festival Yamaha Music en Tokio con la canción "Francesca Non Sa", quedando en la 6.ª posición en la final.
En los años posteriores, se clasificó hasta cinco veces en segunda posición (1984, 1987, 1988, 1989 y 1990). También quedó segundo en 1985, pero esta vez como compositor, cuando escribió la canción «Noi ragazzi di oggi», que interpretó el cantante Luis Miguel. Obtuvo la primera posición en el Festival de Eurovisión de 1990, en Zagreb (antigua Yugoslavia), con «Insieme: 1992». Al año siguiente, presentó el Festival junto con Gigliola Cinquetti. Ha sido también presentador de televisión, siendo sus programas más famosos Piacere Raiuno y Domenica In (un programa de entretenimiento dominical de la cadena italiana Rai Uno).
También compuso canciones para otros artistas, tanto italianos como extranjeros, como Massimo Ranieri, Franco Califano, Gloria Simonetti, Ricardo Sepúlveda y Cristian Castro, entre otros.
Es muy conocido por el tema «L'Italiano (Compuesto por Lasciatemi Cantare)», con el cual participó en el Festival de la Canción Italiana de San Remo en 1983.
En 1987 incursionó con su tema Hei!, Guarda Chi C'e en Italo-Disco, pese que al la canción no tuvo tanto éxito en Italia, si lo hizo en Hispano-América.
Adjunto dejamos el Link a este tema en nuestro YouTube para que lo recuerdes.
Debutó en el Festival de San Remo de 1976, con el grupo Albatros, interpretando la canción «Volo AZ504», que se clasificó tercera. Al año siguiente, se presentó de nuevo en el Festival con «Gran Premio». Su debut como solista fue en 1980, cuando venció en el Festival de San Remo con «Solo Noi». Ese mismo año participó en el Festival Yamaha Music en Tokio con la canción "Francesca Non Sa", quedando en la 6.ª posición en la final.
En los años posteriores, se clasificó hasta cinco veces en segunda posición (1984, 1987, 1988, 1989 y 1990). También quedó segundo en 1985, pero esta vez como compositor, cuando escribió la canción «Noi ragazzi di oggi», que interpretó el cantante Luis Miguel. Obtuvo la primera posición en el Festival de Eurovisión de 1990, en Zagreb (antigua Yugoslavia), con «Insieme: 1992». Al año siguiente, presentó el Festival junto con Gigliola Cinquetti. Ha sido también presentador de televisión, siendo sus programas más famosos Piacere Raiuno y Domenica In (un programa de entretenimiento dominical de la cadena italiana Rai Uno).
También compuso canciones para otros artistas, tanto italianos como extranjeros, como Massimo Ranieri, Franco Califano, Gloria Simonetti, Ricardo Sepúlveda y Cristian Castro, entre otros.
Es muy conocido por el tema «L'Italiano (Compuesto por Lasciatemi Cantare)», con el cual participó en el Festival de la Canción Italiana de San Remo en 1983.
En 1987 incursionó con su tema Hei!, Guarda Chi C'e en Italo-Disco, pese que al la canción no tuvo tanto éxito en Italia, si lo hizo en Hispano-América.
Adjunto dejamos el Link a este tema en nuestro YouTube para que lo recuerdes.
Vico C
Luis Armando Lozada Cruz nació en Brooklyn, EEUU, un 8 de septiembre de 1971, es un rapero, cantante y compositor estadounidense, considerado como el pionero del rap en español por canciones como «Bomba para afincar» y un icono de la música hispana, ya que fue quien inició en Puerto Rico el movimiento del hip hop. Sus letras van mayormente orientadas a la crítica social, usando como norte el cristianismo, hecho que dio inicio a que le llamaran respetuosamente como el Filósofo. Es mencionado por muchos artistas del género, cómo inspiración y admiración por ser el origen del género urbano.
Y aunque es considerado como el fundador del reguetón, tanto por los críticos como por los fanáticos de la música; sus discos se basan en gran medida en la acústica del roots reggae, el rap y principalmente de hip-hop.
Inspirado por Run DMC y Sugar Hill, en 1987 formaliza su trayectoria haciéndose llamar Vico, añadiendo la C sólo como una novedad, aunque según el mismo cantante a afirmado que su manera de escribir y componer su música estuvo inspirada en grandes cantantes del género de la salsa dura como: Rubén Baldes, Hector Lavoe y Willie Colón (este último de quien aprendiera mucho sobre la producción musical de manera personal).
En 1988 como solista junto a su DJ Negro, grabó su primera canción "No a las drogas", debido a que por primera vez en esa época había un anuncio televisivo de una campaña contra las drogas. Dj Negro y Vico C grabaron canciones de manera underground como "Sin pena", "Si soy de la calle" y "En coma" durante 1988 y 1989, los cuales fueron grabados en cintas de Casete y distribuidos de forma orgánica por DJ Negro entre los barrios de San Juan.
En 1989 lanzó La recta final que se convirtió en su primera producción profesional y entre las canciones que contenía este álbum están: La Recta Final, Viernes 13 y El Amor Existe, estas se convirtieron en verdaderos éxitos radiales.
Para 1990 llegó el éxito internacional con el tema "Me Acuerdo" del álbum "Misión: la Cima" junto a DJ Negro, además de incluir "El Filósofo", canción que le quedó como apelativo a su nombre artístico, Viernes 13 Parte II (Jason Is Back), Tony Presidio (que luego fue regrabada en otra producción). Este mismo año sale la producción llamada "Dos tiempos bajo un mismo tono" junto a Jossie Esteban y la Patrulla 15 donde además de algunos títulos anteriores se incluye la canción "Blanca" y crea confusión en algunos sitios considerándola como producción de 1994, cuando en realidad fue lanzada en 1990.
Pese a que la vida personal de Vico C estuvo llena de excesos en las drogas, para 1994 comenzó a dar un giro radical y se convirtió al cristianismo de manera radical, alejándose un tiempo de los escenarios y que para 1996 volviera con su álbum "Aquel que había muerto", su primer álbum con letras 100% de temática cristiana y de conciencia social.
En la actualidad Vico C se mantiene activo en la música, volviendo a sus raíces y creando temas con letras de conciencia social generalizada con los matices del Hip-Hop que lo hiciera famoso.
Su clara visión de lo que según él es su misión en el mundo, es crear conciencia en las mujeres y elevar la importancia de la familia y los valores como lo hace ver en el tema "Ella Va", y de tratar de hacer ver la falta de respeto generalizado que hay en el género urbano, y como dijo el mismo Vico C a El Chombo en una entrevista al cantante en su canal de YouTube: "El problema del género urbano en la actualidad no es la música, son las letras".
Discografía:
1990: La recta final
1990: Misión: La cima
1991: Hispanic Soul
1993: Xplosion
1996: Con poder
1998: Aquel que había muerto
2002: Emboscada
2003: En honor a la verdad
2005: Desahogo
2009: Babilla
2023: Pánico
Y aunque es considerado como el fundador del reguetón, tanto por los críticos como por los fanáticos de la música; sus discos se basan en gran medida en la acústica del roots reggae, el rap y principalmente de hip-hop.
Inspirado por Run DMC y Sugar Hill, en 1987 formaliza su trayectoria haciéndose llamar Vico, añadiendo la C sólo como una novedad, aunque según el mismo cantante a afirmado que su manera de escribir y componer su música estuvo inspirada en grandes cantantes del género de la salsa dura como: Rubén Baldes, Hector Lavoe y Willie Colón (este último de quien aprendiera mucho sobre la producción musical de manera personal).
En 1988 como solista junto a su DJ Negro, grabó su primera canción "No a las drogas", debido a que por primera vez en esa época había un anuncio televisivo de una campaña contra las drogas. Dj Negro y Vico C grabaron canciones de manera underground como "Sin pena", "Si soy de la calle" y "En coma" durante 1988 y 1989, los cuales fueron grabados en cintas de Casete y distribuidos de forma orgánica por DJ Negro entre los barrios de San Juan.
En 1989 lanzó La recta final que se convirtió en su primera producción profesional y entre las canciones que contenía este álbum están: La Recta Final, Viernes 13 y El Amor Existe, estas se convirtieron en verdaderos éxitos radiales.
Para 1990 llegó el éxito internacional con el tema "Me Acuerdo" del álbum "Misión: la Cima" junto a DJ Negro, además de incluir "El Filósofo", canción que le quedó como apelativo a su nombre artístico, Viernes 13 Parte II (Jason Is Back), Tony Presidio (que luego fue regrabada en otra producción). Este mismo año sale la producción llamada "Dos tiempos bajo un mismo tono" junto a Jossie Esteban y la Patrulla 15 donde además de algunos títulos anteriores se incluye la canción "Blanca" y crea confusión en algunos sitios considerándola como producción de 1994, cuando en realidad fue lanzada en 1990.
Pese a que la vida personal de Vico C estuvo llena de excesos en las drogas, para 1994 comenzó a dar un giro radical y se convirtió al cristianismo de manera radical, alejándose un tiempo de los escenarios y que para 1996 volviera con su álbum "Aquel que había muerto", su primer álbum con letras 100% de temática cristiana y de conciencia social.
En la actualidad Vico C se mantiene activo en la música, volviendo a sus raíces y creando temas con letras de conciencia social generalizada con los matices del Hip-Hop que lo hiciera famoso.
Su clara visión de lo que según él es su misión en el mundo, es crear conciencia en las mujeres y elevar la importancia de la familia y los valores como lo hace ver en el tema "Ella Va", y de tratar de hacer ver la falta de respeto generalizado que hay en el género urbano, y como dijo el mismo Vico C a El Chombo en una entrevista al cantante en su canal de YouTube: "El problema del género urbano en la actualidad no es la música, son las letras".
Discografía:
1990: La recta final
1990: Misión: La cima
1991: Hispanic Soul
1993: Xplosion
1996: Con poder
1998: Aquel que había muerto
2002: Emboscada
2003: En honor a la verdad
2005: Desahogo
2009: Babilla
2023: Pánico
Vanessa Williams en la Música.
Vanessa Lynn Williams nació en Tarrytown, Nueva York, Estados Unidos un 18 de marzo de 1963, es una actriz, cantante y modelo estadounidense. Comenzó su carrera como modelo a comienzos de la década de 1980. En 1984 fue coronada ganadora del concurso de belleza «Miss America», convirtiéndose en la primera mujer multirracial en conseguir dicho logro, pero fue obligada a renunciar a la corona poco después de aceptarla, cuando se publicaron unas fotos de su desnudo, sin embargo esto le valió para que tuviera muchísimo más éxito por su cuenta, tanto en la música como en el cine.
Tras un breve período de relativa inactividad, Williams retomó su carrera y lanzó su primer álbum de estudio, titulado The Right Stuff (1988), el cual fue producido por Amir-Salaam Bayyan, David Paul Bryant, Lewis A. Martinee, Donald Robinson, Larry Robinson, Darryl Ross y Rex Salas y publicado bajo el sello discográfico Wing. De este álbum se desprendieron los sencillos «The Right Stuff», «(He's Got) The Look», «Dreamin'» y «Darlin' I». Tras su estreno, el disco consiguió altas ventas en Estados Unidos y una certificación como Disco de Oro. Cabe señalar que en la ceremonia de 1989 de los premios Grammy, la artista obtuvo dos nominaciones en las categorías de «Mejor artista novel» y «Mejor interpretación vocal de R&B femenina».
En agosto de 1991, la cantante lanzó su segundo álbum de estudio, titulado The Comfort Zone, bajo el mismo sello discográfico de su anterior disco. De este álbum se desprendieron sencillos como «Running Back to You», «The Comfort Zone», «Save the Best for Last» y «Just for Tonight». Tras su estreno, el álbum logró una triple certificación de Disco de Platino y alcanzó el primer puesto en el listado Top R&B/Hip-Hop Albums. Por otra parte, la canción «Save the Best for Last» figuró en tres listados de Billboard: Billboard Hot 100, R&B/Hip-Hop Songs y Hot Adult Contemporary; también alcanzó el top 20 en varios países, entre ellos Alemania, Australia y Suiza. Tiempo después, en 1992, se presentó como invitada en la comedia de situación The Fresh Prince of Bel-Air, de la cadena NBC.
En diciembre de 1994, lanzó su tercer álbum de estudio y el último bajo el sello Wing titulado The Sweetest Days, que contó con la producción de Babyface. Para promocionar el álbum se eligieron seis sencillos: «The Sweetest Days», «The Way That You Love», «Colors of the Wind», «You Can't Run», «Higher Ground» y «Betcha Never». El disco supondría una evolución de Williams como intérprete al experimentar con nuevos géneros musicales, en especial sonidos de jazz. Tras su estreno, el álbum alcanzó la posición 25 en el listado Top R&B/Hip-Hop Albums en 1994 y fue certificado como Disco de Platino en Estados Unidos por sus altas ventas. Asimismo, en la ceremonia de 1995 de los premios Grammy, el disco obtuvo dos nominaciones en las categorías de «Mejor interpretación vocal de R&B femenina» y «Mejor canción de R&B».
Williams retomó su carrera musical en 1995 poniéndole voz al tema principal de la película de Walt Disney Pocahontas, Colours of the wind.
En 1997 lanzó Next, un álbum de estudio del cual se desprendieron cuatro sencillos: "Happiness", el cual se ubicó en el puesto 36 de la lista Hot R&B/Hip-Hop Songs, "Who Were You Thinkin' 'Bout", "First Thing On Your Mind" y "Oh How The Years Go By", la cual se situó en top 10 de la lista estadounidense de canciones de género pop, Hot Adult Contemporary.
Discografía:
1988: The Right Stuff
1991: The Comfort Zone
1994: The Sweetest Days
1997: Next
2005: Everlasting Love
2009: The Real Thing
Álbumes recopilatorios:
1998: Greatest Hits: The First Ten Years
2003: 20th Century Masters
2004: Love Songs
Tras un breve período de relativa inactividad, Williams retomó su carrera y lanzó su primer álbum de estudio, titulado The Right Stuff (1988), el cual fue producido por Amir-Salaam Bayyan, David Paul Bryant, Lewis A. Martinee, Donald Robinson, Larry Robinson, Darryl Ross y Rex Salas y publicado bajo el sello discográfico Wing. De este álbum se desprendieron los sencillos «The Right Stuff», «(He's Got) The Look», «Dreamin'» y «Darlin' I». Tras su estreno, el disco consiguió altas ventas en Estados Unidos y una certificación como Disco de Oro. Cabe señalar que en la ceremonia de 1989 de los premios Grammy, la artista obtuvo dos nominaciones en las categorías de «Mejor artista novel» y «Mejor interpretación vocal de R&B femenina».
En agosto de 1991, la cantante lanzó su segundo álbum de estudio, titulado The Comfort Zone, bajo el mismo sello discográfico de su anterior disco. De este álbum se desprendieron sencillos como «Running Back to You», «The Comfort Zone», «Save the Best for Last» y «Just for Tonight». Tras su estreno, el álbum logró una triple certificación de Disco de Platino y alcanzó el primer puesto en el listado Top R&B/Hip-Hop Albums. Por otra parte, la canción «Save the Best for Last» figuró en tres listados de Billboard: Billboard Hot 100, R&B/Hip-Hop Songs y Hot Adult Contemporary; también alcanzó el top 20 en varios países, entre ellos Alemania, Australia y Suiza. Tiempo después, en 1992, se presentó como invitada en la comedia de situación The Fresh Prince of Bel-Air, de la cadena NBC.
En diciembre de 1994, lanzó su tercer álbum de estudio y el último bajo el sello Wing titulado The Sweetest Days, que contó con la producción de Babyface. Para promocionar el álbum se eligieron seis sencillos: «The Sweetest Days», «The Way That You Love», «Colors of the Wind», «You Can't Run», «Higher Ground» y «Betcha Never». El disco supondría una evolución de Williams como intérprete al experimentar con nuevos géneros musicales, en especial sonidos de jazz. Tras su estreno, el álbum alcanzó la posición 25 en el listado Top R&B/Hip-Hop Albums en 1994 y fue certificado como Disco de Platino en Estados Unidos por sus altas ventas. Asimismo, en la ceremonia de 1995 de los premios Grammy, el disco obtuvo dos nominaciones en las categorías de «Mejor interpretación vocal de R&B femenina» y «Mejor canción de R&B».
Williams retomó su carrera musical en 1995 poniéndole voz al tema principal de la película de Walt Disney Pocahontas, Colours of the wind.
En 1997 lanzó Next, un álbum de estudio del cual se desprendieron cuatro sencillos: "Happiness", el cual se ubicó en el puesto 36 de la lista Hot R&B/Hip-Hop Songs, "Who Were You Thinkin' 'Bout", "First Thing On Your Mind" y "Oh How The Years Go By", la cual se situó en top 10 de la lista estadounidense de canciones de género pop, Hot Adult Contemporary.
Discografía:
1988: The Right Stuff
1991: The Comfort Zone
1994: The Sweetest Days
1997: Next
2005: Everlasting Love
2009: The Real Thing
Álbumes recopilatorios:
1998: Greatest Hits: The First Ten Years
2003: 20th Century Masters
2004: Love Songs
Hoy hace 48 años (Radio Uno)
El 28 de Julio de 1975 hace 48 años, inició transmisión Radio Uno (T.I.W), ese día se realizó una programación muy variable que generó confusión entre los oyentes siendo el primer tema Dueling Banjos un tema de 1973 de Eric Weissberg y Steve Mandell.
El primer tema que sonó en su lanzamiento oficial el 29 de julio, fue el tema "Waiting" de Carlos Santana.
Inició su transmisión, en 775 AM y 91.1 FM, más tarde 800 AM y 102.7 FM, sus slogan más recordados fueron: “ El corazón de la sangre joven y La Tremenda Radio Uno” emisora creada por Rolando Alfaro, José Soto y César "Chicho" Ruíz.
Según "Chicho" Ruíz el nombre de la emisora se debió a una conversación con Carlos Alfaro que debían de hacerle honor a Uno el más grande, refiriéndose a Dios y de ahí el nombre de la emisora.
Entre los programas más recordados están:
- La Hora Soul
- El Baúl de los Recuerdos
- Antología
- Rockanlocuras
- Concierto para Enamorados
- Los 30 Rapiditos
- Las 30 Poderosas
- Toma Uno
- Flashbacks
- Rock En el Idioma de Uno
Muchos fueron los grandes locutores y deejays que formaron parte de esta gran emisora que fue una de las más importantes entre 1975 y 1995, sin embargo uno de los más recordados es Rooper Alvarado.
El primer tema que sonó en su lanzamiento oficial el 29 de julio, fue el tema "Waiting" de Carlos Santana.
Inició su transmisión, en 775 AM y 91.1 FM, más tarde 800 AM y 102.7 FM, sus slogan más recordados fueron: “ El corazón de la sangre joven y La Tremenda Radio Uno” emisora creada por Rolando Alfaro, José Soto y César "Chicho" Ruíz.
Según "Chicho" Ruíz el nombre de la emisora se debió a una conversación con Carlos Alfaro que debían de hacerle honor a Uno el más grande, refiriéndose a Dios y de ahí el nombre de la emisora.
Entre los programas más recordados están:
- La Hora Soul
- El Baúl de los Recuerdos
- Antología
- Rockanlocuras
- Concierto para Enamorados
- Los 30 Rapiditos
- Las 30 Poderosas
- Toma Uno
- Flashbacks
- Rock En el Idioma de Uno
Muchos fueron los grandes locutores y deejays que formaron parte de esta gran emisora que fue una de las más importantes entre 1975 y 1995, sin embargo uno de los más recordados es Rooper Alvarado.
Fallece Randy Meisner a los 77 años
Randy Herman Meisner nació en Scottsbluff, Nebraska, EEUU, el 8 de marzo de 1946 y fue un cantante, guitarrista, bajista y compositor estadounidense, reconocido por ser uno de los miembros fundadores de las bandas Poco y Eagles. Es popular por haber coescrito y cantado el éxito de Eagles "Take It to the Limit".
Después de la gira del álbum Hotel California en 1976, Randy Meisner abandonó la banda debido a diferencias con el resto de los integrantes y se mudó de regreso a su Nebraska natal, donde comenzó su carrera en solitario. La banda sustituye a Meisner con el mismo músico que lo había sucedido a él en la banda Poco, Timothy B. Schmit. En 1977, los miembros del grupo, menos Don Felder, realizaron algún trabajo instrumental y de coros para el álbum de Randy Newman "Little Criminals", incluyendo el polémico y sorpresivo éxito "Short People", que tiene coros de Frey y Schmit.
Meisner murió en Los Ángeles debido a complicaciones asociadas con la enfermedad pulmonar obstructiva crónica (EPOC) el 26 de julio de 2023, a la edad de 77 años.
Después de la gira del álbum Hotel California en 1976, Randy Meisner abandonó la banda debido a diferencias con el resto de los integrantes y se mudó de regreso a su Nebraska natal, donde comenzó su carrera en solitario. La banda sustituye a Meisner con el mismo músico que lo había sucedido a él en la banda Poco, Timothy B. Schmit. En 1977, los miembros del grupo, menos Don Felder, realizaron algún trabajo instrumental y de coros para el álbum de Randy Newman "Little Criminals", incluyendo el polémico y sorpresivo éxito "Short People", que tiene coros de Frey y Schmit.
Meisner murió en Los Ángeles debido a complicaciones asociadas con la enfermedad pulmonar obstructiva crónica (EPOC) el 26 de julio de 2023, a la edad de 77 años.
Tony Bennett fallece a los 96 Años.
Anthony Dominick Benedetto, conocido artísticamente como Tony Bennett, fue un cantante estadounidense y uno de los últimos grandes crooners de mediados del siglo xx, que se mantuvo en activo tanto en recitales en vivo como en grabaciones discográficas hasta su retirada en 2021, a los 95 años de edad. Recordado por éxitos como "Blue Velvet" y "I Left My Heart In San Francisco", su repertorio se basa en estándares o canciones clásicas de la música popular estadounidense, mayormente baladas y jazz.
Fue un artista discográfico popular y elogiado por la crítica e intérprete de conciertos hasta su anuncio de retirada en 2021. Ha ganado 19 premios Grammy (incluido el premio Lifetime Achievement Award, presentado en 2001) y dos premios Emmy, y fue nombrado NEA Jazz Master y Kennedy Center Honoree. Bennett ha vendido más de 50 millones de discos en todo el mundo.
En 2021, la familia de Bennett anunció que había sido diagnosticado con alzheimer en 2016 y que había grabado un segundo álbum con Lady Gaga, el cual sería su último lanzamiento antes de retirarse definitivamente de la música. El disco, titulado Love for Sale, fue lanzado el 1 de octubre de 2021 y fue promocionado con las últimas actuaciones en vivo de Bennett, así como un documental sobre su realización en la lucha contra la enfermedad.
Falleció en la madrugada del 21 de julio del 2023, sin que se diera con las causas de su deceso, estaba a punto de cumplir en 2 semanas, 97 años.
Bennett, nació un 3 de agosto de 1926 en New York, EEUU, mismo lugar de su fallecimiento.
Fue un artista discográfico popular y elogiado por la crítica e intérprete de conciertos hasta su anuncio de retirada en 2021. Ha ganado 19 premios Grammy (incluido el premio Lifetime Achievement Award, presentado en 2001) y dos premios Emmy, y fue nombrado NEA Jazz Master y Kennedy Center Honoree. Bennett ha vendido más de 50 millones de discos en todo el mundo.
En 2021, la familia de Bennett anunció que había sido diagnosticado con alzheimer en 2016 y que había grabado un segundo álbum con Lady Gaga, el cual sería su último lanzamiento antes de retirarse definitivamente de la música. El disco, titulado Love for Sale, fue lanzado el 1 de octubre de 2021 y fue promocionado con las últimas actuaciones en vivo de Bennett, así como un documental sobre su realización en la lucha contra la enfermedad.
Falleció en la madrugada del 21 de julio del 2023, sin que se diera con las causas de su deceso, estaba a punto de cumplir en 2 semanas, 97 años.
Bennett, nació un 3 de agosto de 1926 en New York, EEUU, mismo lugar de su fallecimiento.
Disco de Vinilo (La Historia)
Los discos de vinilo se introdujeron comercialmente en 1948, aunque su invención se remonta al año de 1888 cuando Emile Berline inventó el primer disco y siendo perfeccionado por Columbia Records en 1948.
Comparados con los antiguos discos de goma laca 78 RPM a los que sustituyeron, disponen de un surco de menor grosor y profundidad, por lo que también se les llama «microsurcos», y giran a menor velocidad, permitiendo una mayor duración de grabación y pudiendo alcanzar y a veces exceder los 30 minutos por cara en el formato LP.
La historia de los discos de vinilo tuvo que evolucionar mucho antes de convertirse en lo que recordamos. Uno de los primeros pasos fue la empresa que fundaron Emile Berliner y Eldridge Johnson, quien mejoró el gramófono agregándole un motor de resorte que impulsara el plato. Juntos crearon en 1901, Victor Talking Machine Company, pronto fundaron y dominaron la industria musical más rentable y moderna hasta ese momento.
Comenzaron con discos de 10” y dos años después introdujeron los discos de 12”, capaces de reproducir tres y cuatro minutos respectivamente, lo que representó un avance frente a los cilindros que solo reproducían dos minutos.
Y pese a que Edison inventó en años posteriores unos cilindros con mayor capacidad de reproducción, los discos se popularizaron y terminaron con la producción de cilindros en 1929.
El primer vinilo fue grabado por Enrico Caruso en el año 1902 con su disco “Vesti la Giubba” repuntó en ventas y fue conocido como el artista más importante de su época, siendo en aquel momento el cantante de ópera más famoso del mundo. Llegó a vender 1 millón de copias.
En los años 1960, también se produjeron discos cuadrafónicos, que gracias a una tecnología denominada de matriz en combinación con circuitos de filtrado de señal, permitía registrar cuatro canales de audio simultáneamente, dando al oyente la impresión de estar literalmente envuelto por el sonido, dado que el sistema de reproducción estaba equipado con dos altavoces delanteros y otros dos traseros. Esta técnica tuvo poco éxito comercial, probablemente debido a los altos costos del aparato de reproducción, en particular de las cabezas con aguja de diamante tallado del tipo Shibata necesarias para la reproducción cuadrafónica, en una época en la que incluso los equipos capaces de reproducir discos estereofónicos seguían siendo un lujo.
Hasta la década de 1970, el vinilo continuó siendo el medio más popular para la reproducción de material musical, pero su protagonismo comenzó a ser socavado por la aparición de la casete, y al final de los años 1980 el vinilo cedió gradualmente el paso al disco compacto (CD audio). La producción a gran escala de discos de vinilo prácticamente cesó a principios de la década de 1990, pero desde la segunda mitad de la década de 2000, el disco de vinilo ha vuelto a los estantes de las tiendas, esencialmente como un producto para una clientela especializada. Las cifras finales en 2011 compiladas por el instituto Nielsen SoundScan indican un aumento de 2,8 a 3,9 millones de LP de vinilo vendidos en los Estados Unidos, con numerosas reediciones lanzadas al mercado y diversos artistas que también imprimen sus obras en vinilo.
Hasta 2012, el vinilo sencillo de 45 RPM más caro del mundo es un disco con el tema Do I Love You (Indeed I Do) grabado por Frank Wilson en 1965 (del que tan solo se imprimieron dos copias), que fue adquirido por 20 000 libras. El LP más caro es Yesterday and Today de Los Beatles en el Butcher Cover, que puede llegar a costar hasta 45 000 dólares, aunque en promedio tiene un valor máximo de unos 20 000 dólares.
La venta mundial de vinilos en 2011 movió 115,4 millones de dólares, un 28,7 % más que en 2010. Estas cifras estaban muy por debajo de las ventas estimadas de CD y de descargas digitales aunque, en 2020, el desplome del formato CD por la competencia de las descargas de música por internet, ha significado que las ventas de discos de vinilo superaran a las ventas del CD por primera vez desde finales de la década de 1980 cuando entonces se dejaron de fabricar masivamente por al incursión del CD.
El disco de vinilo es una placa circular que lleva en ambas caras un surco en espiral, grabado desde el borde exterior hacia el interior, en el que la grabación de sonidos está codificada analógicamente. Las mejores cualidades del vinilo (PVC) en comparación con la goma laca utilizada anteriormente permitieron reducir el grosor de los surcos, disminuir el paso de la espiral y bajar la velocidad de rotación de 78 a 33⅓ revoluciones por minuto, obteniendo así un tiempo de escucha más largo, que llegó a alcanzar unos 30 minutos por cara en el formato LP, con algunas grabaciones (especialmente de ópera) capaces de contener hasta un máximo de 40 minutos por cara. Los dos formatos más frecuentes son el LP (lanzado por Columbia, utiliza discos de 12 pulgadas de diámetro a 33⅓ rpm, con un agujero pequeño), y el denominado sencillo (lanzado por RCA, utiliza discos de 7 pulgadas a 45 rpm, con un agujero central mucho más grande).
El sonido 100% acústico de la grabación en los discos de vinilo, hace de estos la manera más pura de disfrutar de la música dado que las frecuencias utilizadas en los estudios son las más cercanas al sonido natural no solo de los instrumentos, sino también, de las voces.
Los discos de vinilo son prensados en caliente mediante una prensa hidráulica, utilizando una matriz de metal generada a partir de un máster principal, una especie de primer disco obtenido con un estilete vibrante que genera un surco inciso sobre un disco metálico recubierto de una capa de cera o de gutapercha, registrando con una gran precisión los sonidos originales por lo general procedentes de grabaciones magnetofónicas obtenidas en estudios de grabación. El disco «positivo» así obtenido se pulveriza al vacío con cloruro de estaño y plata, una sustancia electroconductora que permite que un baño galvánico forme una capa de níquel depositada sobre el disco. De este soporte se obtiene un primer «negativo» (con los surcos en relieve), del que a su vez se obtienen un conjunto de copias metálicas denominadas «madres». Estas copias tienen, como el disco original, las ranuras grabadas. La matriz así obtenida se escucha y se observa al microscopio para detectar la presencia de imperfecciones. Repitiendo nuevamente el proceso galvánico, se obtienen los moldes finales (en negativo) que se utilizarán para prensar el vinilo.
Cada disco se fabrica a partir de una masa gomosa de policloruro de vinilo denominada «galleta», que se inserta en la prensa en caliente, junto con las etiquetas de los respectivos lados. La prensa forma el disco y estampa los surcos en el vinilo. Después de aplicar presión y dejar enfriar el material, el disco presenta los bordes dentados, que deben recortarse con una perfiladora para darle al disco su forma final.
Los discos de vinilo se produjeron en varios formatos y con distintas velocidades de rotación. Los tipos más comunes son:
- 12 pulgadas de 30cm a 33⅓ revoluciones. (LP)
- 12 pulgadas de 30cm a 45 y 33⅓ revoluciones. (Maxi Single, Mix, EP)
- 7 pulgadas de 17,5cm a 45 revoluciones (Sencillo, Single, Short Play)
Pese a que hubieron otros formatos estos fueron las más populares después de 1950.
Comparados con los antiguos discos de goma laca 78 RPM a los que sustituyeron, disponen de un surco de menor grosor y profundidad, por lo que también se les llama «microsurcos», y giran a menor velocidad, permitiendo una mayor duración de grabación y pudiendo alcanzar y a veces exceder los 30 minutos por cara en el formato LP.
La historia de los discos de vinilo tuvo que evolucionar mucho antes de convertirse en lo que recordamos. Uno de los primeros pasos fue la empresa que fundaron Emile Berliner y Eldridge Johnson, quien mejoró el gramófono agregándole un motor de resorte que impulsara el plato. Juntos crearon en 1901, Victor Talking Machine Company, pronto fundaron y dominaron la industria musical más rentable y moderna hasta ese momento.
Comenzaron con discos de 10” y dos años después introdujeron los discos de 12”, capaces de reproducir tres y cuatro minutos respectivamente, lo que representó un avance frente a los cilindros que solo reproducían dos minutos.
Y pese a que Edison inventó en años posteriores unos cilindros con mayor capacidad de reproducción, los discos se popularizaron y terminaron con la producción de cilindros en 1929.
El primer vinilo fue grabado por Enrico Caruso en el año 1902 con su disco “Vesti la Giubba” repuntó en ventas y fue conocido como el artista más importante de su época, siendo en aquel momento el cantante de ópera más famoso del mundo. Llegó a vender 1 millón de copias.
En los años 1960, también se produjeron discos cuadrafónicos, que gracias a una tecnología denominada de matriz en combinación con circuitos de filtrado de señal, permitía registrar cuatro canales de audio simultáneamente, dando al oyente la impresión de estar literalmente envuelto por el sonido, dado que el sistema de reproducción estaba equipado con dos altavoces delanteros y otros dos traseros. Esta técnica tuvo poco éxito comercial, probablemente debido a los altos costos del aparato de reproducción, en particular de las cabezas con aguja de diamante tallado del tipo Shibata necesarias para la reproducción cuadrafónica, en una época en la que incluso los equipos capaces de reproducir discos estereofónicos seguían siendo un lujo.
Hasta la década de 1970, el vinilo continuó siendo el medio más popular para la reproducción de material musical, pero su protagonismo comenzó a ser socavado por la aparición de la casete, y al final de los años 1980 el vinilo cedió gradualmente el paso al disco compacto (CD audio). La producción a gran escala de discos de vinilo prácticamente cesó a principios de la década de 1990, pero desde la segunda mitad de la década de 2000, el disco de vinilo ha vuelto a los estantes de las tiendas, esencialmente como un producto para una clientela especializada. Las cifras finales en 2011 compiladas por el instituto Nielsen SoundScan indican un aumento de 2,8 a 3,9 millones de LP de vinilo vendidos en los Estados Unidos, con numerosas reediciones lanzadas al mercado y diversos artistas que también imprimen sus obras en vinilo.
Hasta 2012, el vinilo sencillo de 45 RPM más caro del mundo es un disco con el tema Do I Love You (Indeed I Do) grabado por Frank Wilson en 1965 (del que tan solo se imprimieron dos copias), que fue adquirido por 20 000 libras. El LP más caro es Yesterday and Today de Los Beatles en el Butcher Cover, que puede llegar a costar hasta 45 000 dólares, aunque en promedio tiene un valor máximo de unos 20 000 dólares.
La venta mundial de vinilos en 2011 movió 115,4 millones de dólares, un 28,7 % más que en 2010. Estas cifras estaban muy por debajo de las ventas estimadas de CD y de descargas digitales aunque, en 2020, el desplome del formato CD por la competencia de las descargas de música por internet, ha significado que las ventas de discos de vinilo superaran a las ventas del CD por primera vez desde finales de la década de 1980 cuando entonces se dejaron de fabricar masivamente por al incursión del CD.
El disco de vinilo es una placa circular que lleva en ambas caras un surco en espiral, grabado desde el borde exterior hacia el interior, en el que la grabación de sonidos está codificada analógicamente. Las mejores cualidades del vinilo (PVC) en comparación con la goma laca utilizada anteriormente permitieron reducir el grosor de los surcos, disminuir el paso de la espiral y bajar la velocidad de rotación de 78 a 33⅓ revoluciones por minuto, obteniendo así un tiempo de escucha más largo, que llegó a alcanzar unos 30 minutos por cara en el formato LP, con algunas grabaciones (especialmente de ópera) capaces de contener hasta un máximo de 40 minutos por cara. Los dos formatos más frecuentes son el LP (lanzado por Columbia, utiliza discos de 12 pulgadas de diámetro a 33⅓ rpm, con un agujero pequeño), y el denominado sencillo (lanzado por RCA, utiliza discos de 7 pulgadas a 45 rpm, con un agujero central mucho más grande).
El sonido 100% acústico de la grabación en los discos de vinilo, hace de estos la manera más pura de disfrutar de la música dado que las frecuencias utilizadas en los estudios son las más cercanas al sonido natural no solo de los instrumentos, sino también, de las voces.
Los discos de vinilo son prensados en caliente mediante una prensa hidráulica, utilizando una matriz de metal generada a partir de un máster principal, una especie de primer disco obtenido con un estilete vibrante que genera un surco inciso sobre un disco metálico recubierto de una capa de cera o de gutapercha, registrando con una gran precisión los sonidos originales por lo general procedentes de grabaciones magnetofónicas obtenidas en estudios de grabación. El disco «positivo» así obtenido se pulveriza al vacío con cloruro de estaño y plata, una sustancia electroconductora que permite que un baño galvánico forme una capa de níquel depositada sobre el disco. De este soporte se obtiene un primer «negativo» (con los surcos en relieve), del que a su vez se obtienen un conjunto de copias metálicas denominadas «madres». Estas copias tienen, como el disco original, las ranuras grabadas. La matriz así obtenida se escucha y se observa al microscopio para detectar la presencia de imperfecciones. Repitiendo nuevamente el proceso galvánico, se obtienen los moldes finales (en negativo) que se utilizarán para prensar el vinilo.
Cada disco se fabrica a partir de una masa gomosa de policloruro de vinilo denominada «galleta», que se inserta en la prensa en caliente, junto con las etiquetas de los respectivos lados. La prensa forma el disco y estampa los surcos en el vinilo. Después de aplicar presión y dejar enfriar el material, el disco presenta los bordes dentados, que deben recortarse con una perfiladora para darle al disco su forma final.
Los discos de vinilo se produjeron en varios formatos y con distintas velocidades de rotación. Los tipos más comunes son:
- 12 pulgadas de 30cm a 33⅓ revoluciones. (LP)
- 12 pulgadas de 30cm a 45 y 33⅓ revoluciones. (Maxi Single, Mix, EP)
- 7 pulgadas de 17,5cm a 45 revoluciones (Sencillo, Single, Short Play)
Pese a que hubieron otros formatos estos fueron las más populares después de 1950.
Bola Disco (La Historia)
La primera bola disco o de espejos se registra en 1897. Esto gracias a los registros que hay sobre la fiesta anual del sindicato de electricistas de Massachusetts, donde una descripción de la decoración menciona algo muy parecido o similar a la bola disco.
Hay pocos símbolos que distinguen las ganas de baile y fiesta como lo es una bola disco.
Su nombre en realidad sería bola de espejos. El término bola disco se le da hasta la época de la música disco. Época donde los clubes nocturnos hicieron que este artefacto giratorio fuera un emblema del género.
Una bola de espejos o bola de discoteca o simplemente bola disco es un objeto esférico que refleja luz en varias direcciones, produciendo un complejo efecto visual. Su superficie está cubierta con cientos o miles de espejos, casi todos con la misma forma y tamaño. Usualmente, se cuelga sobre la cabeza del público desde un dispositivo que la hace rotar continuamente en un eje vertical. Al mismo tiempo, es iluminada con focos para que la luz rebote en ella y el público pueda visualizar rayos que se mueven sobre ellos y sobre las paredes del recinto.
Al ser la bola disco ya un producto tan popular, los clubes nocturnos se distinguieron entre sí y la forma más fácil fue: Presumiendo tener la bola disco más grande de la ciudad.
The Gallery, propiedad de Siano, fue reconocido durante muchos años por tener la bola disco más grande de la ciudad. Mientras la mayoría de los clubes tenían bolas de 24 pulgadas, The Gallery presumía una de 36 pulgadas. Después este tamaño quedo atrás, para dar paso a piezas de hasta 48 pulgadas.
El problema con estas gigantes esferas era que la gente terminaba pegandoles, su peso requería de motores para su movimiento y finalmente, una mala instalación podría producir accidentes.
La bola disco tomó mayor fuerza a nivel popular después de la segunda mitad de la década de los años 70.
Cuando la época disco entró en decadencia, con el género también se fueron las esferas de espejos. Los clubes empezaron a verlo como algo anticuado y durante dos décadas estuvieron guardadas como reliquias, hasta que en el año 2000 hubo un regreso, sin embargo con la década dorada (80s) y el surgimiento de las discotecas móviles o disco móviles, la esfera era un símbolo imperdible en los eventos realizados públicamente.
El regreso del símbolo se le otorgó a Madonna, en su tour “Confessions” de 2006. La bola de espejos era parte importante del show y con esta influencia, otros artistas se animaron a colocar este producto como centro de sus espectáculos.
Hay pocos símbolos que distinguen las ganas de baile y fiesta como lo es una bola disco.
Su nombre en realidad sería bola de espejos. El término bola disco se le da hasta la época de la música disco. Época donde los clubes nocturnos hicieron que este artefacto giratorio fuera un emblema del género.
Una bola de espejos o bola de discoteca o simplemente bola disco es un objeto esférico que refleja luz en varias direcciones, produciendo un complejo efecto visual. Su superficie está cubierta con cientos o miles de espejos, casi todos con la misma forma y tamaño. Usualmente, se cuelga sobre la cabeza del público desde un dispositivo que la hace rotar continuamente en un eje vertical. Al mismo tiempo, es iluminada con focos para que la luz rebote en ella y el público pueda visualizar rayos que se mueven sobre ellos y sobre las paredes del recinto.
Al ser la bola disco ya un producto tan popular, los clubes nocturnos se distinguieron entre sí y la forma más fácil fue: Presumiendo tener la bola disco más grande de la ciudad.
The Gallery, propiedad de Siano, fue reconocido durante muchos años por tener la bola disco más grande de la ciudad. Mientras la mayoría de los clubes tenían bolas de 24 pulgadas, The Gallery presumía una de 36 pulgadas. Después este tamaño quedo atrás, para dar paso a piezas de hasta 48 pulgadas.
El problema con estas gigantes esferas era que la gente terminaba pegandoles, su peso requería de motores para su movimiento y finalmente, una mala instalación podría producir accidentes.
La bola disco tomó mayor fuerza a nivel popular después de la segunda mitad de la década de los años 70.
Cuando la época disco entró en decadencia, con el género también se fueron las esferas de espejos. Los clubes empezaron a verlo como algo anticuado y durante dos décadas estuvieron guardadas como reliquias, hasta que en el año 2000 hubo un regreso, sin embargo con la década dorada (80s) y el surgimiento de las discotecas móviles o disco móviles, la esfera era un símbolo imperdible en los eventos realizados públicamente.
El regreso del símbolo se le otorgó a Madonna, en su tour “Confessions” de 2006. La bola de espejos era parte importante del show y con esta influencia, otros artistas se animaron a colocar este producto como centro de sus espectáculos.
Bruce Springsteen (The Boss)
Springsteen comenzó su carrera musical a finales de la década de 1960 tocando con grupos como Steel Mill y Dr. Zoom & the Sonic Boom. En 1972 firmó un contrato discográfico con Columbia Records y publicó Greetings from Asbury Park, N.J., su primer álbum de estudio con el respaldo de E Street Band, su principal grupo de apoyo en sucesivos trabajos. A lo largo de su trayectoria musical, que abarca más de cinco décadas hasta la actualidad, ha publicado trabajos como Born to Run (1975), Darkness on the Edge of Town (1978) y The River (1980), valorados por la crítica musical como tres de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos.
Le llamaron "The Boss", todo se remonta a la época en la que comenzó a tocar con la E Street Band. Springsteen no era solo el centro de atención y la voz del grupo en el escenario, sino que también mandaba fuera del escenario, era el líder de la banda. Eso quiere decir que también se dedicaba a las labores administrativas que están detrás de la música: recogía el dinero de los lugares y pagaba a la banda individualmente después de sus funciones. A través de este simple acto , ganó su apodo duradero, pero también ha hecho mucho para mantenerlo.
El escritor y experto en sobrenombre Andrew Delahunty explicó en una entrevista en la BBC cómo surgió el Boss: "En los primeros días, cuando él y la E-Street Band tocaban en lugares pequeños, el trabajo de Bruce era recolectar el dinero y pagar al resto de la banda", dice Delahunty. "Esto los llevó a empezar a llamarlo The Boss, un apodo que se ha quedado".
Además de su faceta como músico de rock, Springsteen grabó varios trabajos orientados al folk como Nebraska (1982), The Ghost of Tom Joad (1995) y Devils & Dust (2005).
Su popularidad se consolidó con el lanzamiento de Born in the U.S.A. (1984), un álbum que vendió más de quince millones de copias en los Estados Unidos y alcanzó el primer puesto en varios países, incluyendo Estados Unidos y el Reino Unido. Desde entonces, y a pesar de no trabajar con la E Street Band en trabajos como Human Touch y Lucky Town, la mayoría de sus discos han obtenido un elevado respaldo comercial, con un total de seis números uno en su país natal entre el lanzamiento de Tunnel of Love (1987) y de Wrecking Ball (2012).
La trayectoria musical de Springsteen ha sido reconocida con varios premios, incluyendo 20 premios Grammy, dos Globos de Oro y un Óscar, y en 1999, entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En 2004 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 23 de la lista de los mejores artistas de todos los tiempos, y cuatro años más tarde, en la posición 36 de la lista de mejores cantantes de todos los tiempos.
Su trabajo más reciente, Letter to You, fue publicado el 23 de octubre de 2020, y supuso su primer trabajo con la E Street Band desde 2014 tras varios años de proyectos en solitario.
Debido a su influencia lírica y a la música orientada hacia el folk rock en temas como «Blinded by the light» y «For you», se comenzó a comparar a Springsteen con Bob Dylan. Al respecto, el redactor jefe de la revista Crawdaddy! Peter Knobler escribió en marzo de 1973: «Bruce canta con una frescura y una urgencia que no escuchaba desde que fui noqueado por Like a rolling stone». Por su parte, Lester Bangs escribió en 1975 en Creem que cuando Springsteen publicó su primer álbum «muchos de nosotros le desestimamos: escribía como Bob Dylan y Van Morrison, cantaba como Van Morrison y Robbie Robertson y lideraba una banda que sonaba como la de Van Morrison». El tema «Spirit in the night» mostraba especialmente la influencia de Morrison, mientras que «Lost in the flood» supuso el primero de los numerosos retratos de los veteranos de Vietnam.
Pase a que The E Street Band fue mayormente conocida por ser la banda de apoyo Bruce Springsteen desde inicios de 1970, ha grabado de forma individual, o como banda con un amplio número de artistas como Bob Dylan, Meat Loaf, Neil Young, Lou Reed, Bonnie Tyler, Dire Straits, David Bowie, Peter Gabriel, Stevie Nicks, Tom Morello, Ian Hunter, Ringo Starr, Ray Davies, Ronnie Spector, Southside Johnny, Grateful Dead, Carlos Santana, Lucinda Williams, Emmylou Harris, Lady Gaga y Aretha Franklin, entre otros.
La primera formación de The E Street Band incluyó a Clarence Clemons, Danny Federici, Vini López, David Sancious y Garry Tallent, con quienes Springsteen grabó sus dos primeros trabajos, Greetings from Asbury Park, N.J. y The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle. Salvo por un pequeño cambio con la marcha de López y la entrada de Ernest Carter en la batería, la principal remodelación del grupo tuvo lugar en 1975, momento en el que entraron a formar parte del grupo Roy Bittan, Max Weinberg y Steve Van Zandt en sustitución de Sancious y Carter.
Son muchísimos los éxitos de Springsteen dentro de los que podemos mencionar como los más populares como Born in the USA, Dancing in the Dark, Tunnel of Love, Streets of Philadelphia (con la que ganó más premios), The Rising, entre muchas otras.
En 1984 en candidato a la presidencia de EEUU, le solicitó a Springsteen el tema Born in the USA, el cual se negó alegando de el candidato no había entendido el verdadero significado del tema, ya que este era una fuerte crítica a la gente que iba a las guerras sin sentido, concretamente a la de Vietnam y el mal trato que se le dio a los veteranos de dicha guerra.
Bruce Frederick Joseph Springsteen nació un 23 de septiembre de 1949 en Long Branch, Nueva Jersey, Estados Unidos.
Distinciones:
- Medalla Presidencial de la Libertad
- New Jersey Hall of Fame
- Premio Kennedy Center Honors
- MTV Video Music Award for Best Male Video (1985)
- MTV Video Music Award for Best Stage Performance (1985)
- MTV Video Music Award – Viewer's Choice (1985)
- MTV Video Music Award for Best Video from a Film (1994)
- Salón de la Fama del Rock (1999)
- Persona del año MusiCares (2013)
Discografía completa:
1973: Greetings from Asbury Park, N.J.
1973: The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle
1975: Born to Run
1978: Darkness on the Edge of Town
1980: The River
1982: Nebraska
1984: Born in the U.S.A.
1986: Live/1975-85
1987: Tunnel of Love
1992: Human Touch
1992: Lucky Town
1993: In Concert/MTV Plugged
1995: The Ghost of Tom Joad
1995: Greatest Hits
2001: Live in New York City
2002: The Rising
2005: Devils & Dust
2006: Hammersmith Odeon London '75
2006: We Shall Overcome: The Seeger Sessions
2007: Live in Dublin
2007: Magic
2009: Working on a Dream
2012: Wrecking Ball
2014: High Hopes
2018: Springsteen on Broadway
2019: Western Stars
2020: Letter to You
2022: Only the Strong Survive
Le llamaron "The Boss", todo se remonta a la época en la que comenzó a tocar con la E Street Band. Springsteen no era solo el centro de atención y la voz del grupo en el escenario, sino que también mandaba fuera del escenario, era el líder de la banda. Eso quiere decir que también se dedicaba a las labores administrativas que están detrás de la música: recogía el dinero de los lugares y pagaba a la banda individualmente después de sus funciones. A través de este simple acto , ganó su apodo duradero, pero también ha hecho mucho para mantenerlo.
El escritor y experto en sobrenombre Andrew Delahunty explicó en una entrevista en la BBC cómo surgió el Boss: "En los primeros días, cuando él y la E-Street Band tocaban en lugares pequeños, el trabajo de Bruce era recolectar el dinero y pagar al resto de la banda", dice Delahunty. "Esto los llevó a empezar a llamarlo The Boss, un apodo que se ha quedado".
Además de su faceta como músico de rock, Springsteen grabó varios trabajos orientados al folk como Nebraska (1982), The Ghost of Tom Joad (1995) y Devils & Dust (2005).
Su popularidad se consolidó con el lanzamiento de Born in the U.S.A. (1984), un álbum que vendió más de quince millones de copias en los Estados Unidos y alcanzó el primer puesto en varios países, incluyendo Estados Unidos y el Reino Unido. Desde entonces, y a pesar de no trabajar con la E Street Band en trabajos como Human Touch y Lucky Town, la mayoría de sus discos han obtenido un elevado respaldo comercial, con un total de seis números uno en su país natal entre el lanzamiento de Tunnel of Love (1987) y de Wrecking Ball (2012).
La trayectoria musical de Springsteen ha sido reconocida con varios premios, incluyendo 20 premios Grammy, dos Globos de Oro y un Óscar, y en 1999, entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En 2004 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 23 de la lista de los mejores artistas de todos los tiempos, y cuatro años más tarde, en la posición 36 de la lista de mejores cantantes de todos los tiempos.
Su trabajo más reciente, Letter to You, fue publicado el 23 de octubre de 2020, y supuso su primer trabajo con la E Street Band desde 2014 tras varios años de proyectos en solitario.
Debido a su influencia lírica y a la música orientada hacia el folk rock en temas como «Blinded by the light» y «For you», se comenzó a comparar a Springsteen con Bob Dylan. Al respecto, el redactor jefe de la revista Crawdaddy! Peter Knobler escribió en marzo de 1973: «Bruce canta con una frescura y una urgencia que no escuchaba desde que fui noqueado por Like a rolling stone». Por su parte, Lester Bangs escribió en 1975 en Creem que cuando Springsteen publicó su primer álbum «muchos de nosotros le desestimamos: escribía como Bob Dylan y Van Morrison, cantaba como Van Morrison y Robbie Robertson y lideraba una banda que sonaba como la de Van Morrison». El tema «Spirit in the night» mostraba especialmente la influencia de Morrison, mientras que «Lost in the flood» supuso el primero de los numerosos retratos de los veteranos de Vietnam.
Pase a que The E Street Band fue mayormente conocida por ser la banda de apoyo Bruce Springsteen desde inicios de 1970, ha grabado de forma individual, o como banda con un amplio número de artistas como Bob Dylan, Meat Loaf, Neil Young, Lou Reed, Bonnie Tyler, Dire Straits, David Bowie, Peter Gabriel, Stevie Nicks, Tom Morello, Ian Hunter, Ringo Starr, Ray Davies, Ronnie Spector, Southside Johnny, Grateful Dead, Carlos Santana, Lucinda Williams, Emmylou Harris, Lady Gaga y Aretha Franklin, entre otros.
La primera formación de The E Street Band incluyó a Clarence Clemons, Danny Federici, Vini López, David Sancious y Garry Tallent, con quienes Springsteen grabó sus dos primeros trabajos, Greetings from Asbury Park, N.J. y The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle. Salvo por un pequeño cambio con la marcha de López y la entrada de Ernest Carter en la batería, la principal remodelación del grupo tuvo lugar en 1975, momento en el que entraron a formar parte del grupo Roy Bittan, Max Weinberg y Steve Van Zandt en sustitución de Sancious y Carter.
Son muchísimos los éxitos de Springsteen dentro de los que podemos mencionar como los más populares como Born in the USA, Dancing in the Dark, Tunnel of Love, Streets of Philadelphia (con la que ganó más premios), The Rising, entre muchas otras.
En 1984 en candidato a la presidencia de EEUU, le solicitó a Springsteen el tema Born in the USA, el cual se negó alegando de el candidato no había entendido el verdadero significado del tema, ya que este era una fuerte crítica a la gente que iba a las guerras sin sentido, concretamente a la de Vietnam y el mal trato que se le dio a los veteranos de dicha guerra.
Bruce Frederick Joseph Springsteen nació un 23 de septiembre de 1949 en Long Branch, Nueva Jersey, Estados Unidos.
Distinciones:
- Medalla Presidencial de la Libertad
- New Jersey Hall of Fame
- Premio Kennedy Center Honors
- MTV Video Music Award for Best Male Video (1985)
- MTV Video Music Award for Best Stage Performance (1985)
- MTV Video Music Award – Viewer's Choice (1985)
- MTV Video Music Award for Best Video from a Film (1994)
- Salón de la Fama del Rock (1999)
- Persona del año MusiCares (2013)
Discografía completa:
1973: Greetings from Asbury Park, N.J.
1973: The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle
1975: Born to Run
1978: Darkness on the Edge of Town
1980: The River
1982: Nebraska
1984: Born in the U.S.A.
1986: Live/1975-85
1987: Tunnel of Love
1992: Human Touch
1992: Lucky Town
1993: In Concert/MTV Plugged
1995: The Ghost of Tom Joad
1995: Greatest Hits
2001: Live in New York City
2002: The Rising
2005: Devils & Dust
2006: Hammersmith Odeon London '75
2006: We Shall Overcome: The Seeger Sessions
2007: Live in Dublin
2007: Magic
2009: Working on a Dream
2012: Wrecking Ball
2014: High Hopes
2018: Springsteen on Broadway
2019: Western Stars
2020: Letter to You
2022: Only the Strong Survive
![Richard Paul Astley, inició su carrera como cantante en 1985 en un grupo llamado FBI (un pequeño grupo de Newton-le-Willows, Inglaterra), cuando fue visto por el productor musical Pete Waterman, quien le convenció de mudarse a Londres para trabajar en sus estudios de PWL. Bajo la tutela del trío de productores Stock, Aitken y Waterman (Mismos que impulsaron la carrera de Samantha Fox que casualmente nació en el mismo año de Astley), Astley aprendió todo el proceso de grabación en estudio lo que le sirvió como preparación para el lanzamiento de su carrera. Durante mucho tiempo la gente pensó que Rick Astley que salía en los videos se limitaba a hacer doblaje de sus canciones. Su hermano Mark Astley ayudó a refutar estas afirmaciones.
Su carrera como solita inició en 1987, y su primer sencillo fue la poco conocida «When You Gonna» atribuida a Rick & Lisa (Lisa Fabien conocida por su éxito Better Than Ever de 1986), pero su primer éxito fue «Never Gonna Give You Up», de 1987, el cual se convirtió en un éxito inmediato y llegó a ser el sencillo más vendido en el Reino Unido ese año. El álbum Whenever You Need Somebody que contenía la canción también llegó al número uno en Canadá y el 12 de marzo de 1988 llegó al número uno de las listas norteamericanas junto con un segundo número uno por la canción «Together Forever».
A finales de la década de 1980, Astley se separó de Stock Aitken Waterman y lanzó el álbum Free que tuvo un moderado éxito en especial por el sencillo de 1991 «Cry For Help». En ese mismo año la RIAA certificó el álbum Whenever You Need Somebody con dos millones de copias vendidas. El total de ventas de Rick Astley se encuentra cerca de los cuarenta millones de copias incluyendo todos sus álbumes y todos sus singles.
Su siguiente álbum llamado Body & Soul lanzado en 1993 fue prácticamente ignorado excepto el sencillo «Hopelessly» que alcanzó la casilla número cuatro en las listas musicales de Adulto Contemporáneo en Reino Unido y 31 en Estados Unidos en la lista Top 40 Mainstream.
En febrero de 2016, fue jurado de las competencias folclórica e internacional del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar (Chile) y, además, se presentó como artista invitado. Fue galardonado por el público con las Gaviotas de Plata y de Oro. En junio del mismo año, alcanzó el tercer #1 de su carrera y el primero desde «Together Forever» con su séptimo disco llamado "50", el primero en 11 años.
La canción «Never Gonna Give You Up», fue tomada como una de las más mediáticas bromas de internet, cobrando el nombre de Rickroll. La broma consiste en anunciar algún enlace o contenido extremadamente interesante, y una vez pulsado aparecía en algún momento el videoclip de la canción (en ocasiones también el de «Together Forever»). Dicha broma apareció en 4chan en el año 2008, y en el portal de vídeos YouTube, en el Día de las bromas de abril del mismo año, vinculó todos los vídeos que aparecían de portada como "Interesantes" al videoclip de «Never Gonna Give You Up», y a su vez, el mismo Rick Astley hizo su propio Rickroll apareciendo por sorpresa en el desfile del Día de acción de gracias de 2008 en Nueva York.
Cabe decir que el Rickroll ha resucitado la popularidad del cantante, devolviéndole la fama y permitiéndole volver a actuar después de estar bastantes años en el olvido.[cita requerida] Astley ha declarado, con respecto al fenómeno del rickroll, que eso «es lo brillante de Internet».
Richard Paul Astley nació un 6 de febrero de 1966 en Newton-le-Willows, Reino Unido.
Álbumes de Estudio:
1987: Whenever you need somebody (1988)
1988: Hold me in your arms
1991: Free
1993: Body and Soul
2001: Keep it turned on
2005: Portrait
2016: 50
2018: Beautiful Life](https://static.wixstatic.com/media/ee6048_32f5fdcd954b4ef58fb6e182da58def3~mv2.jpg/v1/fill/w_740,h_816,q_90/ee6048_32f5fdcd954b4ef58fb6e182da58def3~mv2.webp)
Rick Astley
Richard Paul Astley, inició su carrera como cantante en 1985 en un grupo llamado FBI (un pequeño grupo de Newton-le-Willows, Inglaterra), cuando fue visto por el productor musical Pete Waterman, quien le convenció de mudarse a Londres para trabajar en sus estudios de PWL. Bajo la tutela del trío de productores Stock, Aitken y Waterman (Mismos que impulsaron la carrera de Samantha Fox que casualmente nació en el mismo año de Astley), Astley aprendió todo el proceso de grabación en estudio lo que le sirvió como preparación para el lanzamiento de su carrera. Durante mucho tiempo la gente pensó que Rick Astley que salía en los videos se limitaba a hacer doblaje de sus canciones. Su hermano Mark Astley ayudó a refutar estas afirmaciones.
Su carrera como solita inició en 1987, y su primer sencillo fue la poco conocida «When You Gonna» atribuida a Rick & Lisa (Lisa Fabien conocida por su éxito Better Than Ever de 1986), pero su primer éxito fue «Never Gonna Give You Up», de 1987, el cual se convirtió en un éxito inmediato y llegó a ser el sencillo más vendido en el Reino Unido ese año. El álbum Whenever You Need Somebody que contenía la canción también llegó al número uno en Canadá y el 12 de marzo de 1988 llegó al número uno de las listas norteamericanas junto con un segundo número uno por la canción «Together Forever».
A finales de la década de 1980, Astley se separó de Stock Aitken Waterman y lanzó el álbum Free que tuvo un moderado éxito en especial por el sencillo de 1991 «Cry For Help». En ese mismo año la RIAA certificó el álbum Whenever You Need Somebody con dos millones de copias vendidas. El total de ventas de Rick Astley se encuentra cerca de los cuarenta millones de copias incluyendo todos sus álbumes y todos sus singles.
Su siguiente álbum llamado Body & Soul lanzado en 1993 fue prácticamente ignorado excepto el sencillo «Hopelessly» que alcanzó la casilla número cuatro en las listas musicales de Adulto Contemporáneo en Reino Unido y 31 en Estados Unidos en la lista Top 40 Mainstream.
En febrero de 2016, fue jurado de las competencias folclórica e internacional del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar (Chile) y, además, se presentó como artista invitado. Fue galardonado por el público con las Gaviotas de Plata y de Oro. En junio del mismo año, alcanzó el tercer #1 de su carrera y el primero desde «Together Forever» con su séptimo disco llamado "50", el primero en 11 años.
La canción «Never Gonna Give You Up», fue tomada como una de las más mediáticas bromas de internet, cobrando el nombre de Rickroll. La broma consiste en anunciar algún enlace o contenido extremadamente interesante, y una vez pulsado aparecía en algún momento el videoclip de la canción (en ocasiones también el de «Together Forever»). Dicha broma apareció en 4chan en el año 2008, y en el portal de vídeos YouTube, en el Día de las bromas de abril del mismo año, vinculó todos los vídeos que aparecían de portada como "Interesantes" al videoclip de «Never Gonna Give You Up», y a su vez, el mismo Rick Astley hizo su propio Rickroll apareciendo por sorpresa en el desfile del Día de acción de gracias de 2008 en Nueva York.
Cabe decir que el Rickroll ha resucitado la popularidad del cantante, devolviéndole la fama y permitiéndole volver a actuar después de estar bastantes años en el olvido.[cita requerida] Astley ha declarado, con respecto al fenómeno del rickroll, que eso «es lo brillante de Internet».
Richard Paul Astley nació un 6 de febrero de 1966 en Newton-le-Willows, Reino Unido.
Álbumes de Estudio:
1987: Whenever you need somebody (1988)
1988: Hold me in your arms
1991: Free
1993: Body and Soul
2001: Keep it turned on
2005: Portrait
2016: 50
2018: Beautiful Life
Su carrera como solita inició en 1987, y su primer sencillo fue la poco conocida «When You Gonna» atribuida a Rick & Lisa (Lisa Fabien conocida por su éxito Better Than Ever de 1986), pero su primer éxito fue «Never Gonna Give You Up», de 1987, el cual se convirtió en un éxito inmediato y llegó a ser el sencillo más vendido en el Reino Unido ese año. El álbum Whenever You Need Somebody que contenía la canción también llegó al número uno en Canadá y el 12 de marzo de 1988 llegó al número uno de las listas norteamericanas junto con un segundo número uno por la canción «Together Forever».
A finales de la década de 1980, Astley se separó de Stock Aitken Waterman y lanzó el álbum Free que tuvo un moderado éxito en especial por el sencillo de 1991 «Cry For Help». En ese mismo año la RIAA certificó el álbum Whenever You Need Somebody con dos millones de copias vendidas. El total de ventas de Rick Astley se encuentra cerca de los cuarenta millones de copias incluyendo todos sus álbumes y todos sus singles.
Su siguiente álbum llamado Body & Soul lanzado en 1993 fue prácticamente ignorado excepto el sencillo «Hopelessly» que alcanzó la casilla número cuatro en las listas musicales de Adulto Contemporáneo en Reino Unido y 31 en Estados Unidos en la lista Top 40 Mainstream.
En febrero de 2016, fue jurado de las competencias folclórica e internacional del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar (Chile) y, además, se presentó como artista invitado. Fue galardonado por el público con las Gaviotas de Plata y de Oro. En junio del mismo año, alcanzó el tercer #1 de su carrera y el primero desde «Together Forever» con su séptimo disco llamado "50", el primero en 11 años.
La canción «Never Gonna Give You Up», fue tomada como una de las más mediáticas bromas de internet, cobrando el nombre de Rickroll. La broma consiste en anunciar algún enlace o contenido extremadamente interesante, y una vez pulsado aparecía en algún momento el videoclip de la canción (en ocasiones también el de «Together Forever»). Dicha broma apareció en 4chan en el año 2008, y en el portal de vídeos YouTube, en el Día de las bromas de abril del mismo año, vinculó todos los vídeos que aparecían de portada como "Interesantes" al videoclip de «Never Gonna Give You Up», y a su vez, el mismo Rick Astley hizo su propio Rickroll apareciendo por sorpresa en el desfile del Día de acción de gracias de 2008 en Nueva York.
Cabe decir que el Rickroll ha resucitado la popularidad del cantante, devolviéndole la fama y permitiéndole volver a actuar después de estar bastantes años en el olvido.[cita requerida] Astley ha declarado, con respecto al fenómeno del rickroll, que eso «es lo brillante de Internet».
Richard Paul Astley nació un 6 de febrero de 1966 en Newton-le-Willows, Reino Unido.
Álbumes de Estudio:
1987: Whenever you need somebody (1988)
1988: Hold me in your arms
1991: Free
1993: Body and Soul
2001: Keep it turned on
2005: Portrait
2016: 50
2018: Beautiful Life
Samantha Fox
Fox era una de las tit-stars de aquella época, junto con la italiana Sabrina Salerno y con la polaca Danuta Lato, las tres famosas por su exuberante busto. Samantha Fox es, de las tres, la más conocida dentro del mundo anglosajón.
Su despegue como personaje popular se debió a fotografías de semidesnudo (topless) en la prensa británica, más específicamente con sus imágenes en la sección Page Three del periódico The Sun.
Consiguió luego diversos éxitos musicales en el género dance pop bajo la producción del trío Stock, Aitken & Waterman, coincidiendo con otros ídolos juveniles como Kylie Minogue, Sabrina Salerno (con quién tuvo una disputa artística en sus inicios), Rick Astley, Sinitta y Jason Donovan. Entre sus canciones más exitosas se cuentan "Touch Me" y "Nothing's Gonna Stop Me Now", cuyo vídeo musical se rodó en Marbella (España).
En 1986 debutó como cantante con el sencillo "Touch Me (I Want Your Body)", su imagen exuberante y el contenido de la letra de la canción la convirtieron en una sex symbol de los años 1980. En 1987 se publicó su segundo LP Samantha Fox, que contenía canciones muy pegadizas y que funcionaron muy bien, como "Nothing's Gonna Stop Me Now" o "Naughty Girls (Need Love Too)" que siguieron la línea de "Touch Me".
Samantha posó desnuda para varias revistas, entre ellas Playboy. En 1988 se publicó su tercer álbum I Wanna Have Some Fun, con éxitos como "I Only Wanna Be With You" o la canción que dio título al álbum "I Wanna Have Some Fun". Dos años más tarde el éxito de sus discos comenzó a descender con su siguiente trabajo Just One Night, al que siguieron dos álbumes de grandes éxitos publicados en 1992 y en 1995. A finales de los años 90 el éxito de sus álbumes fue más discreto, como 21st Century Fox que se lanzó en 1998, y un año después probó suerte como actriz en la película The Match. También en 1995 participó en la selección de la BBC (Song of Europe) para participar en el Festival de Eurovisión formando el grupo Sox con la canción Go for the Heart, pero finalizó cuarta tras recibir más de 60.000 votos telefónicos.
Su relación con el torero español Rafael Camino le dio especial popularidad en España. Pero de manera sorprendente, tras forjar su fama como sex symbol para hombres, comunicó que era bisexual y que mantenía una relación estable con una mujer, su representante Myra Stratton, once años mayor que ella, con la que contrajo matrimonio en 2009. Tras doce años juntas, Myra falleció en el mes de agosto del 2015, en el año 2022 se casó con Linda Olsen.
En mayo de 2010 regresó al mercado musical al editar un sencillo-cover de la canción "Call Me" del grupo Blondie. Lo llamativo de esta grabación es que la cantó a dúo con su antigua rival (y amiga) Sabrina Salerno, realizaron muchas presentaciones del tema que se convirtió en un éxito, y en una de estas que realizaron fue en RFM Party 80 de Francia en el 2011 donde Fox y Salerno se besaron en la presentación lo cual generó criticas ya que para muchos ellas quisieron verse como el famoso beso entre Madonna y Britney Spears en MTV VMA del 2003 el cual si fue una verdadera sensación a nivel mundial.
Samantha Karen Fox nació un 15 de abril de 1966 en Londres, Inglaterra.
Álbumes de estudio:
1986: Touch Me
1987: Samantha Fox
1988: I Wanna Have Some Fun
1991: Just One Night
1998: 21st Century Fox
2005: Angel with an Attitude
Otros:
1986: Touch Me special remix edition
1992: Greatest Hits
1995: The Hits Album
2002: Watching You, Watching Me
2003: Hot Tracks - The Best Of Samantha Fox
2004: Groves - 12 Inches of 80's
2007: Angel with an Attitude (Edición australiana con Touch me 2007 como bonus track
2009: Greatest Hits
2010: Forever con 4 Strings
2010: Call Me con Sabrina Salerno
Su despegue como personaje popular se debió a fotografías de semidesnudo (topless) en la prensa británica, más específicamente con sus imágenes en la sección Page Three del periódico The Sun.
Consiguió luego diversos éxitos musicales en el género dance pop bajo la producción del trío Stock, Aitken & Waterman, coincidiendo con otros ídolos juveniles como Kylie Minogue, Sabrina Salerno (con quién tuvo una disputa artística en sus inicios), Rick Astley, Sinitta y Jason Donovan. Entre sus canciones más exitosas se cuentan "Touch Me" y "Nothing's Gonna Stop Me Now", cuyo vídeo musical se rodó en Marbella (España).
En 1986 debutó como cantante con el sencillo "Touch Me (I Want Your Body)", su imagen exuberante y el contenido de la letra de la canción la convirtieron en una sex symbol de los años 1980. En 1987 se publicó su segundo LP Samantha Fox, que contenía canciones muy pegadizas y que funcionaron muy bien, como "Nothing's Gonna Stop Me Now" o "Naughty Girls (Need Love Too)" que siguieron la línea de "Touch Me".
Samantha posó desnuda para varias revistas, entre ellas Playboy. En 1988 se publicó su tercer álbum I Wanna Have Some Fun, con éxitos como "I Only Wanna Be With You" o la canción que dio título al álbum "I Wanna Have Some Fun". Dos años más tarde el éxito de sus discos comenzó a descender con su siguiente trabajo Just One Night, al que siguieron dos álbumes de grandes éxitos publicados en 1992 y en 1995. A finales de los años 90 el éxito de sus álbumes fue más discreto, como 21st Century Fox que se lanzó en 1998, y un año después probó suerte como actriz en la película The Match. También en 1995 participó en la selección de la BBC (Song of Europe) para participar en el Festival de Eurovisión formando el grupo Sox con la canción Go for the Heart, pero finalizó cuarta tras recibir más de 60.000 votos telefónicos.
Su relación con el torero español Rafael Camino le dio especial popularidad en España. Pero de manera sorprendente, tras forjar su fama como sex symbol para hombres, comunicó que era bisexual y que mantenía una relación estable con una mujer, su representante Myra Stratton, once años mayor que ella, con la que contrajo matrimonio en 2009. Tras doce años juntas, Myra falleció en el mes de agosto del 2015, en el año 2022 se casó con Linda Olsen.
En mayo de 2010 regresó al mercado musical al editar un sencillo-cover de la canción "Call Me" del grupo Blondie. Lo llamativo de esta grabación es que la cantó a dúo con su antigua rival (y amiga) Sabrina Salerno, realizaron muchas presentaciones del tema que se convirtió en un éxito, y en una de estas que realizaron fue en RFM Party 80 de Francia en el 2011 donde Fox y Salerno se besaron en la presentación lo cual generó criticas ya que para muchos ellas quisieron verse como el famoso beso entre Madonna y Britney Spears en MTV VMA del 2003 el cual si fue una verdadera sensación a nivel mundial.
Samantha Karen Fox nació un 15 de abril de 1966 en Londres, Inglaterra.
Álbumes de estudio:
1986: Touch Me
1987: Samantha Fox
1988: I Wanna Have Some Fun
1991: Just One Night
1998: 21st Century Fox
2005: Angel with an Attitude
Otros:
1986: Touch Me special remix edition
1992: Greatest Hits
1995: The Hits Album
2002: Watching You, Watching Me
2003: Hot Tracks - The Best Of Samantha Fox
2004: Groves - 12 Inches of 80's
2007: Angel with an Attitude (Edición australiana con Touch me 2007 como bonus track
2009: Greatest Hits
2010: Forever con 4 Strings
2010: Call Me con Sabrina Salerno
Giorgio Moroder
Giovanni Giorgio Moroder es un productor, cantante, compositor y DJ italiano que innovó en la llamada música disco especialmente por la incorporación de sintetizadores y cajas de ritmos, convirtiéndose en una gran influencia para la música de baile posteriormente conocida como música techno y también de la aparición de nuevas variantes musicales del disco, tales como el eurodisco y el hi-NRG. Tres veces ganador del Premio Óscar como compositor, es particularmente conocido como productor musical de Donna Summer a la que logró que le dieran el título de la reina de la música disco. Canciones como Love to Love You Baby y I Feel Love (con su poderoso uso de sintetizadores, clavinet y caja de ritmos) son célebres y muy reproducidas por grupos incluso en estos días.
En 1978 Moroder grabó The Chase, tema de la película El expreso de medianoche por la cual obtuvo el Óscar a la mejor banda sonora.
Entre 1977 y 1979 lanzó el álbum From Here to Eternity. En 1979 produjo su álbum E=MC². Este disco sentó un ilustre precedente en tecnología: fue el primero en grabarse en forma digital utilizando samplers, sequencers, teclados modulares, Vocoders, marcando un antes y un después en la música Techno. Si Kraftwerk experimentaba con sonidos electrónicos sintéticos, Moroder lo hacía para producir música bailable.
Fue el fundador de Musicland Studios (1970-1990) en Múnich, que fue la casa editora de cantantes del nivel de Led Zeppelin, Electric Light Orchestra, Queen y Elton John durante gran parte de las décadas de 1980 y 1990.
También produjo melodías disco para el grupo femenino The Three Degrees, además ejerció de productor y/o compositor para artistas como Madleen Kane, Olivia Newton-John, Melissa Manchester, Debbie Harry, Nina Hagen, Sigue Sigue Sputnik, David Bowie, entre otros.
En la década de 1980, produjo música para las bandas sonoras de muchas películas, como The Never Ending Story, Cat People (con el tema central cantado por David Bowie), American Gigolo (su tema central Call Me, compuesto por Moroder y Debbie Harry fue un éxito para el grupo de esta, Blondie), y Scarface, entre otras.
En 1983 la película Flashdance recibió el Óscar a la mejor canción interpretada por la cantante estadounidense Irene Cara por su canción What a Feeling (Compuesta por Moroder).
En 1984 compuso la banda sonora del filme Electric Dreams, cuyo tema homónimo, cantado por Philip Oakey (líder de The Human League) tuvo cierto éxito comercial.
El mismo año, produjo la restauración del clásico de cine mudo Metrópolis. Esta versión editada y modificada, incluía el coloreado de escenas y por supuesto una moderna banda sonora que además de efectos electrónicos y pasajes instrumentales y sintéticos creados por Moroder, contaba con canciones originales interpretadas por Jon Anderson, Bonnie Tyler, Freddie Mercury, Pat Benatar, Adam Ant, Billy Squier y Loverboy.
En 1986 su canción Take My Breath Away tema principal del filme Top Gun e interpretada por la banda new wave Berlín también recibió el Óscar a la mejor canción.
En el año 2004, Moroder fue homenajeado en el Dance Music Hall of Fame, en Nueva York, por su sobresaliente trabajo como productor.
En el año 2005 fue condecorado por el presidente de Italia con el grado honorífico de Commendatore (el cuál es un título de honor que prevalece en las órdenes de caballería y las órdenes fraternales).
En 1978 Moroder grabó The Chase, tema de la película El expreso de medianoche por la cual obtuvo el Óscar a la mejor banda sonora.
Entre 1977 y 1979 lanzó el álbum From Here to Eternity. En 1979 produjo su álbum E=MC². Este disco sentó un ilustre precedente en tecnología: fue el primero en grabarse en forma digital utilizando samplers, sequencers, teclados modulares, Vocoders, marcando un antes y un después en la música Techno. Si Kraftwerk experimentaba con sonidos electrónicos sintéticos, Moroder lo hacía para producir música bailable.
Fue el fundador de Musicland Studios (1970-1990) en Múnich, que fue la casa editora de cantantes del nivel de Led Zeppelin, Electric Light Orchestra, Queen y Elton John durante gran parte de las décadas de 1980 y 1990.
También produjo melodías disco para el grupo femenino The Three Degrees, además ejerció de productor y/o compositor para artistas como Madleen Kane, Olivia Newton-John, Melissa Manchester, Debbie Harry, Nina Hagen, Sigue Sigue Sputnik, David Bowie, entre otros.
En la década de 1980, produjo música para las bandas sonoras de muchas películas, como The Never Ending Story, Cat People (con el tema central cantado por David Bowie), American Gigolo (su tema central Call Me, compuesto por Moroder y Debbie Harry fue un éxito para el grupo de esta, Blondie), y Scarface, entre otras.
En 1983 la película Flashdance recibió el Óscar a la mejor canción interpretada por la cantante estadounidense Irene Cara por su canción What a Feeling (Compuesta por Moroder).
En 1984 compuso la banda sonora del filme Electric Dreams, cuyo tema homónimo, cantado por Philip Oakey (líder de The Human League) tuvo cierto éxito comercial.
El mismo año, produjo la restauración del clásico de cine mudo Metrópolis. Esta versión editada y modificada, incluía el coloreado de escenas y por supuesto una moderna banda sonora que además de efectos electrónicos y pasajes instrumentales y sintéticos creados por Moroder, contaba con canciones originales interpretadas por Jon Anderson, Bonnie Tyler, Freddie Mercury, Pat Benatar, Adam Ant, Billy Squier y Loverboy.
En 1986 su canción Take My Breath Away tema principal del filme Top Gun e interpretada por la banda new wave Berlín también recibió el Óscar a la mejor canción.
En el año 2004, Moroder fue homenajeado en el Dance Music Hall of Fame, en Nueva York, por su sobresaliente trabajo como productor.
En el año 2005 fue condecorado por el presidente de Italia con el grado honorífico de Commendatore (el cuál es un título de honor que prevalece en las órdenes de caballería y las órdenes fraternales).
Sylvester (Drag Queen)
Sylvester James Jr., popularmente conocido como Sylvester, fue un cantante, bailarín, modelo y artista drag queen. Es conocido por sus vestuarios y pelucas femeninas y por ser uno de los artistas más importantes del sonido disco, a finales de los años 70.
Sylvester a veces era conocido como la «Reina del Disco», aunque este apodo también se ha otorgado a algunas mujeres de la era disco, como Gloria Gaynor o Donna Summer (Principalmente). Sus canciones más importantes fueron "You Make Me Feel (Mighty Real)", "Dance (Disco Heat)" (ambos de 1978) y "Do You Wanna Funk" (1982), entre otros como Don't Stop.
Conocido por cantar en falsete (a pesar de tener una voz de barítono), fue también uno de los pioneros del sonido Hi-NRG, de finales de los años 70 e inicios de los 80, junto a Patrick Cowley, también músico y productor, y recibió influencias desde Europa de grupos como Telex o músicos como el productor y DJ italiano Giorgio Moroder.
Fue uno de los primeros músicos famosos abiertamente gays que reconoció estar infectado por VIH y también uno de los primeros que murió a consecuencia de las complicaciones del SIDA, a finales de los años 80.
Sylvester nació un 6 de setiembre de 1947 en L.A USA, y falleció el 16 de diciembre de 1988 a los 41 años en San Francisco, USA (Lugar donde hizo su carrera artística).
Sylvester a veces era conocido como la «Reina del Disco», aunque este apodo también se ha otorgado a algunas mujeres de la era disco, como Gloria Gaynor o Donna Summer (Principalmente). Sus canciones más importantes fueron "You Make Me Feel (Mighty Real)", "Dance (Disco Heat)" (ambos de 1978) y "Do You Wanna Funk" (1982), entre otros como Don't Stop.
Conocido por cantar en falsete (a pesar de tener una voz de barítono), fue también uno de los pioneros del sonido Hi-NRG, de finales de los años 70 e inicios de los 80, junto a Patrick Cowley, también músico y productor, y recibió influencias desde Europa de grupos como Telex o músicos como el productor y DJ italiano Giorgio Moroder.
Fue uno de los primeros músicos famosos abiertamente gays que reconoció estar infectado por VIH y también uno de los primeros que murió a consecuencia de las complicaciones del SIDA, a finales de los años 80.
Sylvester nació un 6 de setiembre de 1947 en L.A USA, y falleció el 16 de diciembre de 1988 a los 41 años en San Francisco, USA (Lugar donde hizo su carrera artística).
Llegamos a los 10 mil Seguidores
Luego que Retro Magazine comenzara como un pequeño proyecto personal, hemos llegado a los 10 mil seguidores de la revista a más de 45 países, en donde nuestro principales seguidores se encuentran: México, Argentina, España, Chile y Costa Rica (En ese orden).
De todo corazón les doy las gracias a todos nuestros seguidores en el mundo que constantemente siguen nuestros artículos y notas históricas sobre lo que más nos gusta, "La Música Retro", vamos a seguir mejorando para seguir llevándoles las mejores historias de la cultura retro de la música del mundo.
Quiero agradecer a nuestros patrocinadores: Tecnoluces (P.Audio Sistema, S.A.), SATEC, S.A., BC Technologies y GUBOS Developer, por ayudarnos en algo o en mucho a hacer este proyecto realidad, también a mis colegas de DJs Club C.R., pero muy especialmente a todos ustedes.
Otros canales que han ido creciendo poco a poco es nuestro canal de YouTube (Retro Magazine Costa Rica) que en la actualidad tiene 500 seguidores, este canal le hemos dado fuerza en este 2023 y ha crecido un 65% en los 4 meses.
Seguiremos trayéndoles nuevos artículos y nuevas historias.
Gracias por ser parte de Retro Magazine Costa Rica y recuerden nuestro slogan "Vive la Música, Vive su Historia"
Atte:
Ing. Gustavo Bonilla S.
Director y Productor General
Retro Magazine Costa Rica
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Otros canales que han ido creciendo poco a poco es nuestro canal de YouTube (Retro Magazine Costa Rica) que en la actualidad tiene 500 seguidores, este canal le hemos dado fuerza en este 2023 y ha crecido un 65% en los 4 meses.
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Ing. Gustavo Bonilla S.
Director y Productor General
Retro Magazine Costa Rica
El álbum más vendido de la historia.
Estados Unidos es considerado el mercado musical mas grande del mundo, siendo el foco de los artistas a la hora de abrirse paso en el mundo de música. Ciertamente es considerado uno de los mercados con mayor ventas musicales y es por eso que todos los actos musicales quieren alcanzar su cima.
Sin embargo, no todos pueden alzarse con el titulo del álbum más vendido, solo unos pocos corren con la suerte de batallar por este titulo.
Bandas como The Beatles o artistas femeninas como Shania Twain, destacan en esta prestigiada lista, así mismo, el rey del pop Michael Jackson lideró esta lista por más de 30 años con su álbum «Thriller», pese a que después del fallecimiento del rey del pop en año 2009 el álbum Thriller tuviera un repunte en las ventas, en el año 2019 y según la publicación oficial de RIIA, el álbum de Jackson fue destronado por una de las bandas más emblemáticas de los 70’s como lo son los Eagles con su álbum de 1976, Eagles: Their Greatest Hits (1971-1975) con ventas que llegaron a los 38 millones de copias solo en los Estados Unidos y dejando a Thriller con 33 millones.
Pese a este dato de RIIA, y que posiciona el álbum de Eagles como el No.1 en ventas en el país del norte, Thriller sigue siendo el álbum más vendido de la historia a nivel mundial con más de 70 millones de copias en el planeta y en quinta posición el álbum de Eagles con 44 millones de copias, ya que la segunda posición sigue siendo del álbum Black in Black de AC/DC de 1980 con 50 millones de copias.
Sin embargo, no todos pueden alzarse con el titulo del álbum más vendido, solo unos pocos corren con la suerte de batallar por este titulo.
Bandas como The Beatles o artistas femeninas como Shania Twain, destacan en esta prestigiada lista, así mismo, el rey del pop Michael Jackson lideró esta lista por más de 30 años con su álbum «Thriller», pese a que después del fallecimiento del rey del pop en año 2009 el álbum Thriller tuviera un repunte en las ventas, en el año 2019 y según la publicación oficial de RIIA, el álbum de Jackson fue destronado por una de las bandas más emblemáticas de los 70’s como lo son los Eagles con su álbum de 1976, Eagles: Their Greatest Hits (1971-1975) con ventas que llegaron a los 38 millones de copias solo en los Estados Unidos y dejando a Thriller con 33 millones.
Pese a este dato de RIIA, y que posiciona el álbum de Eagles como el No.1 en ventas en el país del norte, Thriller sigue siendo el álbum más vendido de la historia a nivel mundial con más de 70 millones de copias en el planeta y en quinta posición el álbum de Eagles con 44 millones de copias, ya que la segunda posición sigue siendo del álbum Black in Black de AC/DC de 1980 con 50 millones de copias.
Fallece el Rey del Calipso Costarricense
Walter Ferguson, más conocido como Mr. Gavitt o El Rey del Calypso fue un calypsonian costarricense, falleció el pasado 25 de febrero del 2023 a la edad de 103 años.
Ferguson fue el autor de «Cabin in the wata», «Callaloo», «Carnaval Day» y muchos otros calypsos, en los cuales retrató la vida de las aldeas de la vertiente Caribe costarricense con una mezcla de humor y tragedia.
Durante la mayor parte de su vida se dedicó a interpretar su música sin salir de su pueblo y valiéndose solamente de una guitarra. La admiración que causó en los músicos del Valle Central de Costa Rica, alentó una corriente de renovación del calypso limonense entre los músicos urbanos.
Ferguson grababa sus composiciones en casetes y en condiciones rústicas para luego vender las cintas a los turistas nacionales y extranjeros que visitaban Cahuita con la idea de conocer al músico legendario de Limón.
En la década de los años 1970 decidió retirarse de la música, ejecutando desde entonces ocasionales composiciones, pero sin volver a presentarse con la frecuencia y la actividad del pasado.
En 1982 el musicólogo estadounidense Michael Williams produjo y grabó a Ferguson en un disco de acetato titulado Mr. Gavitt: Calypso of Costa Rica (cocoa plantation calypso songs sung in english), lanzado bajo el sello Smithsonian Folkways Recordings, en el cual se recogían algunos de sus temas más famosos. También incluía las letras en inglés y una breve biografía.
Un segundo disco grabado en 1986 se tituló Calypsos del Caribe de Costa Rica e incluía otras canciones, además de una breve biografía de Ferguson escrita por la historiadora costarricense Paula Palmer, más algunas letras en inglés.
La Asociación de Compositores y Autores Musicales de Costa Rica le otorgó el premio Ricardo Mora en el 2009, por su labor de toda una vida como compositor. En 2017 fue galardonado con el Premio de Patrimonio Cultural Inmaterial Emilia Prieto Tugores. En 2018 la Asamblea Legislativa de Costa Rica declaró el 7 de mayo, día de su cumpleaños, como Día Nacional del Calypso y el 22 de febrero de 2023, tres días antes de su fallecimiento, lo declaró "ciudadano honorífico" de la República.
Discografía:
Mr. Gavitt: Calypso of Costa Rica, 1982
Calypsos del Caribe de Costa Rica, 1986
Babylon, 2002
Dr. Bombodee, 2004
Ferguson fue el autor de «Cabin in the wata», «Callaloo», «Carnaval Day» y muchos otros calypsos, en los cuales retrató la vida de las aldeas de la vertiente Caribe costarricense con una mezcla de humor y tragedia.
Durante la mayor parte de su vida se dedicó a interpretar su música sin salir de su pueblo y valiéndose solamente de una guitarra. La admiración que causó en los músicos del Valle Central de Costa Rica, alentó una corriente de renovación del calypso limonense entre los músicos urbanos.
Ferguson grababa sus composiciones en casetes y en condiciones rústicas para luego vender las cintas a los turistas nacionales y extranjeros que visitaban Cahuita con la idea de conocer al músico legendario de Limón.
En la década de los años 1970 decidió retirarse de la música, ejecutando desde entonces ocasionales composiciones, pero sin volver a presentarse con la frecuencia y la actividad del pasado.
En 1982 el musicólogo estadounidense Michael Williams produjo y grabó a Ferguson en un disco de acetato titulado Mr. Gavitt: Calypso of Costa Rica (cocoa plantation calypso songs sung in english), lanzado bajo el sello Smithsonian Folkways Recordings, en el cual se recogían algunos de sus temas más famosos. También incluía las letras en inglés y una breve biografía.
Un segundo disco grabado en 1986 se tituló Calypsos del Caribe de Costa Rica e incluía otras canciones, además de una breve biografía de Ferguson escrita por la historiadora costarricense Paula Palmer, más algunas letras en inglés.
La Asociación de Compositores y Autores Musicales de Costa Rica le otorgó el premio Ricardo Mora en el 2009, por su labor de toda una vida como compositor. En 2017 fue galardonado con el Premio de Patrimonio Cultural Inmaterial Emilia Prieto Tugores. En 2018 la Asamblea Legislativa de Costa Rica declaró el 7 de mayo, día de su cumpleaños, como Día Nacional del Calypso y el 22 de febrero de 2023, tres días antes de su fallecimiento, lo declaró "ciudadano honorífico" de la República.
Discografía:
Mr. Gavitt: Calypso of Costa Rica, 1982
Calypsos del Caribe de Costa Rica, 1986
Babylon, 2002
Dr. Bombodee, 2004
Stevie Nicks (La Bruja Blanca)
Stephanie Lynn "Stevie" Nicks, es una cantante y compositora estadounidense nacida el 26 de mayo de 1948 en Phoenix, Arisona, Estados Unidos, conocida tanto por su trabajo con Fleetwood Mac como por su extensa carrera como solista. Es una de las pocas artistas de rock que ha mantenido una larga carrera en solitario formando parte al mismo tiempo de una banda exitosa.
Como miembro de Fleetwood Mac ingresó en The Rock and Roll Hall of Fame en 1998 y volvió a hacerlo como solista en 2019, convirtiéndose en la primera mujer en la historia en ingresar dos veces. Reconocida por su voz nasal, sus particulares atuendos y el simbolismo de sus canciones, Nicks es una de las cantantes más exitosas de su generación, con más de 150 millones de discos vendidos. Como compositora ha sido comparada con otros artistas de relevancia como Bob Dylan, Tom Petty, Carole King, Neil Young o Bruce Springsteen. La revista Rolling Stone la llamó "Reina eterna del Rock" por su vigencia y trabajo constantes.
De niña su madre le inculcó el gusto por los cuentos de hadas y la fantasía. Mientras asistía a Arcadia High School en California, se unió a su primera banda, Changing Times, un grupo de folk rock centrado en las armonías vocales. Unos años más tarde, Nicks conoció al guitarrista Lindsey Buckingham, mientras asistía a la escuela Menlo Atherton. Años después se volvieron a encontrar y junto con Javier Pacheco y Calvin Roper formaron una banda llamada Fritz, que se hizo popular por sus presentaciones en vivo entre 1968 y 1972. Fueron teloneros, entre otros, de Jimi Hendrix y Janis Joplin. La banda se separó pero Nicks y Buckingham continuaron escribiendo y grabando como dúo lanzando el álbum Buckingham Nicks en 1973. Para ese tiempo ya se habían convertido en pareja sentimental.
A pesar de su provocativa cubierta que mostraba una fotografía de la pareja desnuda, el álbum no fue exitoso. De todos modos llamó la atención del baterista Mick Fleetwood que estaba buscando un nuevo guitarrista para su banda Fleetwood Mac. Fleetwood estaba interesado sólo en Lindsey Buckingham para reemplazar a su exguitarrista Bob Welch, pero Buckingham dijo que sólo se uniría a la banda si también invitaban a Nicks, lo cual fue aceptado. El nuevo conjunto lanzó el álbum Fleetwood Mac en 1975 para el que Nicks aportó varias canciones incluyendo "Rhiannon" y "Landslide", originalmente escritas para el segundo álbum de Buckingham Nicks. La unión entre el dúo y la veterana banda demostró ser exitosa, y un revitalizado Fleetwood Mac logró su primer número 1 en la lista Billboard 200 y vendió más de 45 millones de discos en todo el mundo.
Con su voz, sus composiciones y su estampa, Nicks fue una pieza clave en el más que exitoso ciclo de la banda representado por los álbumes Fleetwood Mac (1975), Rumours (1977) y Tusk (1979).
En 1981 y tras una separación momentánea de la banda, Nicks inició su carrera en solitario con el álbum Bella Donna, una buena amalgama de country pop con las sonoridades dominantes en el ámbito de la música comercial, jalonada por un puñado de buenas canciones, algunas compuestas en colaboración con otros destacados músicos. El álbum vendió más de ocho millones de copias en Estados Unidos, obteniendo cuatro discos de platino, y se situó el número uno del Billboard 200 chart.
A finales de 2004, Nicks comenzó a visitar centros médicos del Ejército y la Marina en Washington, DC. Durante su visita a los heridos en servicio en Irak y Afganistán Nicks empezó a obsequiar a cada soldado herido un recuerdo con el objetivo de levantarles el ánimo y motivarlos. Para eso compró cientos de iPod Nano y ella misma los cargó con música motivacional. En 2006, creó la fundación caritativa "Stevie Nicks' Band of Soldiers". Ahora ofrece regularmente estas muestras de aprecio, llevando a sus amigos más cercanos para compartir la experiencia.
En 2006, Nicks celebró una reunión para recaudar fondos para sus obras de caridad. Muchos de sus compañeros hicieron contribuciones. Nicks continúa desarrollando esta labor filantrópica.
Discografía:
Buckingham Nicks (1973)
Con Fleetwood Mac:
Fleetwood Mac (1975)
Rumours (1977)
Tusk (1979)
Mirage (1982)
Tango in the Night (1987)
Behind the Mask (1990)
Say You Will (2003)
Álbumes en solitario:
1981 Bella Donna
1983 The Wild Heart
1985 Rock a Little
1989 The Other Side of the Mirror
1991 Timespace: The Best of Stevie Nicks
1994 Street Angel
1998 The Enchanted Works of Stevie Nicks
2001 Trouble in Shangri
2011 In Your Dreams
2014 24 Karat Gold: Songs from the Vault
Como miembro de Fleetwood Mac ingresó en The Rock and Roll Hall of Fame en 1998 y volvió a hacerlo como solista en 2019, convirtiéndose en la primera mujer en la historia en ingresar dos veces. Reconocida por su voz nasal, sus particulares atuendos y el simbolismo de sus canciones, Nicks es una de las cantantes más exitosas de su generación, con más de 150 millones de discos vendidos. Como compositora ha sido comparada con otros artistas de relevancia como Bob Dylan, Tom Petty, Carole King, Neil Young o Bruce Springsteen. La revista Rolling Stone la llamó "Reina eterna del Rock" por su vigencia y trabajo constantes.
De niña su madre le inculcó el gusto por los cuentos de hadas y la fantasía. Mientras asistía a Arcadia High School en California, se unió a su primera banda, Changing Times, un grupo de folk rock centrado en las armonías vocales. Unos años más tarde, Nicks conoció al guitarrista Lindsey Buckingham, mientras asistía a la escuela Menlo Atherton. Años después se volvieron a encontrar y junto con Javier Pacheco y Calvin Roper formaron una banda llamada Fritz, que se hizo popular por sus presentaciones en vivo entre 1968 y 1972. Fueron teloneros, entre otros, de Jimi Hendrix y Janis Joplin. La banda se separó pero Nicks y Buckingham continuaron escribiendo y grabando como dúo lanzando el álbum Buckingham Nicks en 1973. Para ese tiempo ya se habían convertido en pareja sentimental.
A pesar de su provocativa cubierta que mostraba una fotografía de la pareja desnuda, el álbum no fue exitoso. De todos modos llamó la atención del baterista Mick Fleetwood que estaba buscando un nuevo guitarrista para su banda Fleetwood Mac. Fleetwood estaba interesado sólo en Lindsey Buckingham para reemplazar a su exguitarrista Bob Welch, pero Buckingham dijo que sólo se uniría a la banda si también invitaban a Nicks, lo cual fue aceptado. El nuevo conjunto lanzó el álbum Fleetwood Mac en 1975 para el que Nicks aportó varias canciones incluyendo "Rhiannon" y "Landslide", originalmente escritas para el segundo álbum de Buckingham Nicks. La unión entre el dúo y la veterana banda demostró ser exitosa, y un revitalizado Fleetwood Mac logró su primer número 1 en la lista Billboard 200 y vendió más de 45 millones de discos en todo el mundo.
Con su voz, sus composiciones y su estampa, Nicks fue una pieza clave en el más que exitoso ciclo de la banda representado por los álbumes Fleetwood Mac (1975), Rumours (1977) y Tusk (1979).
En 1981 y tras una separación momentánea de la banda, Nicks inició su carrera en solitario con el álbum Bella Donna, una buena amalgama de country pop con las sonoridades dominantes en el ámbito de la música comercial, jalonada por un puñado de buenas canciones, algunas compuestas en colaboración con otros destacados músicos. El álbum vendió más de ocho millones de copias en Estados Unidos, obteniendo cuatro discos de platino, y se situó el número uno del Billboard 200 chart.
A finales de 2004, Nicks comenzó a visitar centros médicos del Ejército y la Marina en Washington, DC. Durante su visita a los heridos en servicio en Irak y Afganistán Nicks empezó a obsequiar a cada soldado herido un recuerdo con el objetivo de levantarles el ánimo y motivarlos. Para eso compró cientos de iPod Nano y ella misma los cargó con música motivacional. En 2006, creó la fundación caritativa "Stevie Nicks' Band of Soldiers". Ahora ofrece regularmente estas muestras de aprecio, llevando a sus amigos más cercanos para compartir la experiencia.
En 2006, Nicks celebró una reunión para recaudar fondos para sus obras de caridad. Muchos de sus compañeros hicieron contribuciones. Nicks continúa desarrollando esta labor filantrópica.
Discografía:
Buckingham Nicks (1973)
Con Fleetwood Mac:
Fleetwood Mac (1975)
Rumours (1977)
Tusk (1979)
Mirage (1982)
Tango in the Night (1987)
Behind the Mask (1990)
Say You Will (2003)
Álbumes en solitario:
1981 Bella Donna
1983 The Wild Heart
1985 Rock a Little
1989 The Other Side of the Mirror
1991 Timespace: The Best of Stevie Nicks
1994 Street Angel
1998 The Enchanted Works of Stevie Nicks
2001 Trouble in Shangri
2011 In Your Dreams
2014 24 Karat Gold: Songs from the Vault
Bruce Willis en la música.
En Hollywood hay pocos actores tan completos como Bruce Willis demostró serlo, a pesar de estar encasillado como un personaje duro e indestructible por su actuación vista en ‘Duro de matar’, es una estrella del mundo del cine que logró brillar hasta en el ámbito musical.
Willis es recordado por la gran cantidad de series y películas en las que ha participado pero también el actor llegó a lanzar un par de álbumes de rock que sorpresivamente triunfaron, tanto así que uno de ellos alcanzó el puesto 14 en Billboard.
‘The Return of Bruno’ fue el álbum con el que Bruce Willis debutó en la música en 1987. Algunas de las canciones estuvieron acompañadas de grandes músicos como Booker T. Jones, Ruth Pointer y The Temptations (Interpretando el tema "Under the Boardwalk" con gran éxito).
El actor y productor ha sido incluso comparado musicalmente con Vince Neal, esto fue tomado de manera positiva por Bruce ya que asegura fue inspiración para ubicar su vocalización.
Para 1989, el reconocido actor lanzó ‘If It Don’t Kill You, It Just Makes You Stronger’ éxito que contenía 12 canciones, entre las que destacan “I'll Go Crazy”, “Blues for Mr D”, “Tenth Avenue Tango”, “Here Comes Trouble Again”, entre muchas más.
El último lanzamiento de Bruce llegó en 2001 con ‘Classic Bruce Willis’ álbum que reúne todos sus canciones creando una edición especial.
Aunque el actor que dio vida a John McClane demostró grandes dotes para interpretar canciones, fueron pocas las que llegó a componer en compañía de artistas.
Desafortunadamente el 20 de marzo del 2022, Bruce Willis de 67 años le fue detectada afasia (La afasia es un trastorno que afecta la manera en que te comunicas. Puede afectar el habla, además de la forma en que escribes y comprendes el lenguaje escrito y oral, es una enfermedad progresiva y degenerativa), por lo que oficialmente abandonó el mundo de la actuación y la música.
Fuente: Mileno Digital
Willis es recordado por la gran cantidad de series y películas en las que ha participado pero también el actor llegó a lanzar un par de álbumes de rock que sorpresivamente triunfaron, tanto así que uno de ellos alcanzó el puesto 14 en Billboard.
‘The Return of Bruno’ fue el álbum con el que Bruce Willis debutó en la música en 1987. Algunas de las canciones estuvieron acompañadas de grandes músicos como Booker T. Jones, Ruth Pointer y The Temptations (Interpretando el tema "Under the Boardwalk" con gran éxito).
El actor y productor ha sido incluso comparado musicalmente con Vince Neal, esto fue tomado de manera positiva por Bruce ya que asegura fue inspiración para ubicar su vocalización.
Para 1989, el reconocido actor lanzó ‘If It Don’t Kill You, It Just Makes You Stronger’ éxito que contenía 12 canciones, entre las que destacan “I'll Go Crazy”, “Blues for Mr D”, “Tenth Avenue Tango”, “Here Comes Trouble Again”, entre muchas más.
El último lanzamiento de Bruce llegó en 2001 con ‘Classic Bruce Willis’ álbum que reúne todos sus canciones creando una edición especial.
Aunque el actor que dio vida a John McClane demostró grandes dotes para interpretar canciones, fueron pocas las que llegó a componer en compañía de artistas.
Desafortunadamente el 20 de marzo del 2022, Bruce Willis de 67 años le fue detectada afasia (La afasia es un trastorno que afecta la manera en que te comunicas. Puede afectar el habla, además de la forma en que escribes y comprendes el lenguaje escrito y oral, es una enfermedad progresiva y degenerativa), por lo que oficialmente abandonó el mundo de la actuación y la música.
Fuente: Mileno Digital
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